查看完整版本: 欧美音乐风格介绍&代表乐队介绍（更新ing）

[size=5][color=red]84.IDM（IDM）[/color][/size]
[size=3][color=blue]        智能舞曲这个名词的产生是为了区别90年代的电子音乐，后来它由舞池内部不断向外发展，变成一种在家中客厅里听也很舒适的一种音乐。智能舞曲最终得到了很多负面的公众评价，不仅是在舞曲制作人内部，即使是被排除在圈外的乐迷们也助长了这种疑问：他们制作的这种音乐是不是该叫低能舞曲。这种音乐产生于80年代末期，它把在锐舞与大型俱乐部活动时在舞池的主场上可以听到的硬式边缘舞曲与邻近的较冷清的舞池里拍子更慢的音乐融合到了一起。像 Mixmaster Morris 和 Dr. Alex Paterson 这样的 DJ 们喜欢把芝加哥歌剧、较柔和的合成流行/***潮、以及环境/氛围音乐融合到一起，引发了制作人们从各种不同的素材中获取灵感的浪潮。（那几年排行榜偏向于英国舞曲的倾向越发浓厚，但也有一些 DJ 和制作人们反其向而行之，也做出了一些热门的新单曲，如 Technotronic 的"Pump Up the Jam"，和 Smart Es 的"Sesames Treat"）。Sheffields Warp Records 公司可谓这类音乐中顶尖人物的家，事实上，独具开创性的 Warp 公司一方面自己编辑人工智能，一方面在世界范围内推出了这一流派中六个最优秀的艺人：Aphex Twin, the Orb, Plastikman, Autechre, Black Dog Productions, 和 B12. 其他的一些厂牌 — 如 Rising High, GPR, R&S, Rephlex, Fat Cat, Astralwerks — 也推出了一些有质量的智能舞曲，但是到了90年代中期，大多数为带着耳机听的消费者制作的电子乐出现了分化：一部分转向了更具试验性质的音乐，另一部分则变得更具有鞭鞑的倾向。智能舞曲并没有一个集中的从事商业化经营的地点，相对来讲，北美是一个智能舞曲发展氛围较好的地方，并且90年代末期的时候，有很多资金较雄厚的厂牌开始了商业性经营，包括 Drop Beat, Isophlux, Suction, Schematic, 和 Cytrax. 虽然有过好几次企图给这种风格重新命名的尝试（比如 Warp 公司取的"electronic listening music" 和 Aphex Twin 公司取的 "braindance"），但是事实上，乐迷们还是继续用“智能音乐”来描述他们这种偶尔难以描述的音乐偏好。 [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]the Future Sound Of London [/color][/size][/align]
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[size=3][color=blue]        至少要有两个条件才能塑造一个传奇：过人的才华与神秘的距离。由Garry Cobain和Brian Dougans组成的The Future Sound Of London，不偏不倚地成就了电音领域近15年来最具影响力的传奇之一。80年代末期相遇于曼彻斯特(Manchester)，两人才开始对电子音乐进行探索，相较于Brian对电子音乐的钻研，当时的Garry更注意当时的独立摇滚之声，他们在早期甚至与英伦传奇乐队Stone Roses有过短暂的合作。80年代末期到90年代初期他们两人更频繁以各种不同化名发表风格迥异的电音作品。他们的音乐风格正如其名，是无法预测界定的，他们昨天踏出的每一步都将成为明日的潮流。首次以The Future Sound Of London为名发表首张创作大碟后，马上获得主流厂牌的加盟邀约，离开独立厂牌Jumpin’ [/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://219.151.1.51/110407/mtvtop_53/soundoflondon12/001.wma]Papua New Guinea（点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]85.Indie Pop（独立流行）[/color][/size]
[size=3][color=blue]        独立摇滚曲调更加优美，更少噪音并且相对来说，能使人放开忧郁或类似的烦闷，独立流行通过更加着重于协调，排列和歌词创作上从而反映出地下更柔软，更甜美的一面。包含所有的事物，从chamber pop豪华的管弦乐到twee pop原始的直率，然而它在歌曲上的关注远远大于在声音上的，尽管独立流行和独立摇滚都是吸收了来自朋克自我的精神，但是前者丢弃了朋克的虚无主义观点，研磨了音速的手法。[/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Belle & Sebastian [/color][/size][/align]
[align=center][attach]220917[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        这个乐队取名于一个法国儿童电视系列剧，是说一个小男孩和他的狗是怎么互相珍爱的，可以说Belle & Sebastian也相当难能可贵，然而“难能可贵”可以是一个用来骂人的字眼，Belle & Sebastian却不具有这个字眼言外之意的那层贬义的意思——他们内向化却不孤立化，美丽却不懦弱，他们创作的旋律灿烂精致，听上去完整而统一。乐队在吉他手兼主唱Stuart Murdoch带领下，前后一共发行了7张唱片，并打造出一种类似于60年代流行乐以及民谣摇滚的亲密无间却又庄严宏伟的音乐，然而Murdoch的才华不仅仅体现在奇思怪想和超现实主义上，不安忧虑却充满情感的描绘更让歌曲无不反映出一种切实的现实感。

Belle and Sebastian成立于格拉斯哥的一个通宵咖啡屋里，在1996年1月。乐队的歌手兼创作者Stuart Murdoch与贝斯手Stuart David结识于一个政府培训项目，组成乐队后录制了一些小样，这些唱片给一个Jeepster的星探在参加Stow学院音乐项目管理课程时相中。这项课程由来自Associate的Alan Rankine开设，并每年由学院自己的品牌Electric Honey制作并发行一张唱片——通常是单曲碟。然而鉴于Belle and Sebastian早已有足够多的单曲可以录制一整张专辑，于是Belle and Sebastian的这张难懂的“Tigermilk”得以出世了，这张专辑的录制用了三天，只发行了一前张，而这当初的版本如今每张已被炒到了400英磅。

Belle and Sebastian接着在8月份与Jeepster签了合同，随后乐队在11月18日发行了“If You're Feeling Sinister”，这张唱片收到了带有批判性质的赞誉。同时，Belle and Sebastian参加了Tindersticks ICA的合作演出，随之又是11月初在Borderline举世瞩目的表演，这都让乐队首次体验到了现场表演的快乐。接着Belle and Sebastian开始着手计划用97年的夏季完成并发行一张单曲碟，这乐队的第一张EP“Dog On Wheels”发行于5月12日，这张唱片里包括了一些乐队早期的小样作品，完成与形成乐队阵容之前，其中还有“The State I Am In”的小样版本，这首单曲的专辑版本曾收录在“Tigermilk”的专辑中，Mark Radcliffe在其中有尽情的表演，而对于那些手头没有Belle and Sebastian那杰出的第一张专辑“Tigermilk”的歌迷们，这张EP便成为了他们的宠儿，这也让“Dog On Wheels”在单曲排行榜上窜升至第59的位置。

Belle and Sebastian的第二张单曲碟“Lazy Line Painter Jane”发行于7月28日，正好是著名的Union Chapel音乐演出在伦敦Islington开始的那一周。尽管教堂里音质相当糟糕，但乐队还是让前来观摩的歌迷们在教堂过道和座位上翩翩起舞。最主要的是这是Belle and Sebastian参加群体演出，也是大家难得的一次宗教体验。乐队的“Lazy Line Painter Jane”在单曲榜上冲破41的位置，正正好挤上40名，这也让键盘手Chris Geddes喜出望外，因为他事先和Jeepster的老板打赌说乐队挤不上这个位置。随后乐队又参加了在牛津和Colchester的South小型音乐巡演中的两场演出，并为首次登陆美国做好准备。

Belle and Sebastian的第二张专辑“If You're Feeling Sinister”由EMI旗下的The Enclave在北美地区于2月份发行，乐队还在9月份前去纽约参加了CMJ（College Music Journal）音乐节。接下来在Angel Oransanz Foundation Centre为The Arts——Greenwich Village的一个古老的教堂，参加举行了两场表演。当时演出的热情是如此热烈高涨，以至于一小块天花板都“加入”演出行列——Belle and Sebastian的演出差点把房子都演塌了。

Belle and Sebastian同时还被邀请去参加9月底在巴塞罗那的BAM音乐节，这次演出地点是在Plaza Del Rei的一个古老的庭院里，头顶着月光照耀、星光满步的天空，并伴着千万个怪兽滴水嘴的注目，Belle and Sebastian再次迷倒了歌迷。

单曲碟“3..6..9 Seconds Of Light”完成于夏季，在10月13日发行，而与此同时音乐媒体也突然发现了Belle and Sebastian的重要所在，Melody Maker和NME两大媒体同时把这张单曲碟命名为他们的本周最佳。尽管这张唱片电台播放率很低，但“3..6..9 Seconds Of Light”这次登上了单曲榜第23名，成为乐队第一张冲破40大关的唱片。

98年里Belle and Sebastian发行了“The Boy With The Arab Strap”，这张唱片成为乐队历史上至今最为重要的一张专辑，这张唱片一度登上了专辑榜第12名的位置，不过随后便消失得无影无踪了。与此同时乐队也一块消失了，不过有幸的是，乐队还是以一场欧美巡演再次回到乐迷的视野中。

对了，Belle and Sebastian还赢得了The Brit奖的“最佳新人”，不过这还要“归功于”Dennis Waterman的不争气，他的“I Could Be So Good For You (Theme from Minder)”混音版本实在相当糟糕。然而 Waterman懊恼的泪水还是赢得了补偿——第二年他获得了“Best Thing To Happen To Rula Lenska”这项尊贵的大奖。

Belle and Sebastian随后发行了第四张单曲碟“This Is Just A Modern Rock Song”，其中还有那首壮美的“Slow Graffiti”。

1999年对于乐队来说极其平静。年中唯一重要的事件还属“Tigermilk”的重新发行，以及在Camber Sand的Pontin's Holiday Camp举行的The Bowlie Weekender音乐节，这是属于Belle and Sebastian自己的音乐节。这次演出还有Mercury Rev,Teenage Fanclub,Flaming Lips,Godspeed You Black Emperor,Mogwai以及Broadcast等众多艺人团体参加。

99年接下来的一段时间，再加上2000年的前半年里，Belle and Sebastian把自己和Tony Doogan锁在了CaVa录音棚里，录制乐队的下一张专辑“Fold Your Hands Child, You Walk Like A Peasant”，这张唱片最后让乐队得以首次登上专辑榜前十的位置，这张专辑的EP也有前15名的好成绩，并让乐队第一次获得“Top Of The Pops”的荣誉。

名气渐长的Belle and Sebastian在此时内部却发生了一点问题，Stuart David离开了乐队专注于个人的玩票乐队Looper以及写书上。但这次变动没有错，他也确实不怎么弹得好贝斯。

剩下的成员在接下来的时间里专注于其他几个玩票项目：Bel的Gentle Waves,Mick的the Amphetameanies,Chris和Stevie的V-Twin以及Richard的Snow Patrol。

2001年1月乐队成员再次聚集，并和Tony Doogan一起录制新歌。新专辑中的“Jonathan David”首先以单曲碟形式发行，同时伴以Belle and Sebastian迄今范围最广的一次巡演——包括美国、加拿大，然后返回欧洲参加夏季的各种音乐节。还有一点值得注意的是在Todd Solondz的电影“Storytelling”，这部电影的原声在2月份录制于纽约的NYC和Hoboken录音棚，也在2002年的春季上市。[/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://pierredes.free.fr/MP3/Belle%20&%20Sebastian%20-%2008%20-%20My%20Wandering%20Days%20Are%20Over.mp3]my wandering days are over （点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]86.Indie Rock（独立摇滚） [/color][/size]
[size=3][color=blue]        独立摇滚这个名字是从“独立”这个词来的，这个词代表了按照自己乐队的思想去做和发行唱片时小份额，低预算的特性。虽然大部分独立种类的音乐是靠主公司的牌子来进入市场，占取销售份额的，但是他们做决定的过程仍然是依照自己想法的。同样的，独立摇滚可以自由的探究声音，情感和歌词的主题，无需迎合大众的口味---大众和个人口味的利润是不一样的（尽管他们是这样做的，毕竟，还是想在商业中停留）。它根深蒂固于80年代的美国地下和另类摇滚，虽然自从那时开始地下摇滚乐已经开始发生了些小小的变化。感觉上这个词被广泛的使用，独立摇滚真正的使它自己从另类摇滚中脱离出来是在Nirvana冲击主流的前后。大众口味逐渐将另类改造为严肃硬核的新形式，在过程中使它更predictable和testosterone-driven。独立摇滚是一种亚文化的体现；不是所有另类摇滚都是通过Nirvana的激发，也不是全都想要如此。尽管独立摇滚还没明确分离涉及商业的朋克团体，但它还是不特别关心乐队是否继续特立独行还是出卖给了主流；一般认为，首先它不可能在创作多种音乐形式的独立摇滚和符合大众口味这两方面上达到平衡点。差不多有很多原因来解释独立摇滚乐队不相容的特征，但是以下的是一些共识：这种音乐可能太反复无常以及天真的；太怪异；太敏感和忧郁；太颓靡和病态；太空想和催眠；太自我和情感密切联系歌词；在它的作品中太低保真和低预算；在音调和重复段中有太多的棱角；太阴冷和研磨；包装了太多Sonic Youth/Dinosaur Jr./Pixies/Jesus & Mary Chain-style的吉他噪音；在歌曲结构中太多的倾斜和破碎；受太多试验或是其他非主流音乐形式的影响。不管这种特殊的性质，这种摇滚的创者和听众都和另类音乐刚开始的时候很相像，排除由于这个交汇处，独立摇滚还是对于过度的testosterone采取很谨慎的态度。当然独立摇滚从没有很大的影响力或是强大的感觉；它只是很少有，或是从没有男子气概。在90年代到来的时候，独立摇滚发展为相当多的亚潮流并且相似于它的临近音乐形式（indie pop, dream pop, noise-pop, lo-fi, math rock, posr-rock, space rock, sadcore, 或是他们之类的），所有的这一切似乎都确实保持了地下现象的平衡。 [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Arab Strap [/color][/size][/align]
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[size=3][color=blue]        从网上搜索Arab Strap,你会发现一群疯狂的人对他们的顶礼膜拜.闪也不例外.他们的音乐..是扣击灵魂的声音..就算我不喜欢男人的声音..可是他们也让我得到了满足..
Aidan Moffat和Malcolm Middleton这两个有点神经质的中年男人要告诉我们，爱情比想象得要脆弱，它是在不停地争吵，分分合合中度过的。他们的歌词是那么得直白，甚至可能连一向开放的西方人也接受不了。这就是为什么许多想和乐队签约的唱片公司最后都不得不放弃他们的原因。

这个乐队的名字Arab Strap原本是一种经常在色情杂志和情色电影中出现的SM工具，其功能是用来坚挺男性性器官。然而，颇具讽刺意味的是乐队的音乐风格恰恰和Arab Strap原来的功能背道而驰。低调，伤感，脆弱，不满，乐队在音乐和歌词中透露的都是对这种伪坚挺的不屑。或许，这种反讽意味恰恰是乐队主唱Aidan Moffat起这个名字的原因。这个乐队擅长用隐晦的低语加上一段段破碎的音乐语句来描绘看似毫不相干的音乐故事。这一块，那一条，凌乱，颓败，看不见亮色。但是，他们却能够用苏格兰人骨子里的那股特有的孤寂把这些音符串接起来，让这个世界上每个角落的受伤而又寂寞的灵魂共鸣。“我想瓦解你的信念和你大脑的安宁。我想看见你带着无赖的露齿微笑跪在神庙的圣物边。我想看见你为了错乱的极度痛苦凝视你自己的脸。我想听见你不眠地在外面的夜里叹息。我想看见你的血流进柔软的沙里。我想看见你在生活的轭下从永恒到永恒遭受苦难和折磨。”这段摘自冰岛诗人Steinn Steinarr的《黑暗的笑声》中的一小段诗句也许可以大略描绘这个在1995年组建的乐队的音乐信念。


把自己的这种风格在1998年的专辑《Philophobia》和2000年的现场专辑《Mad for Sadness》中发挥得淋漓尽致。大胆露骨的歌词在Moffat那刻意压抑在喉间的调调的演绎下，把痛苦表现显得格外得诗意浪漫，完全褪除了直白式爱情歌词带给人低俗的感觉。而Malcolm Middleton那配合得越来越天衣无缝的编曲更是催化了这两张专辑中湿透了的痛苦的意味。难怪有人会说Arab Strap的音乐要表达的就是低俗的爱情，高尚的痛苦。而2000年的另一张专辑《Elephant Shoe》倒是因为Aidan Moffat和Malcolm Middleton正逢爱情的滋润而使得这张专辑中的音乐变得阳光一些。没有关系，毕竟处于恋爱中男人总是会莫名奇妙的高兴起来。《The Red Thread》是乐队在2001年发行的专辑。里面沉溺的声音依旧，低调的氛围依旧。在专辑中，他们运用了他们所能够用来表达的所有方式，把自己全部的感觉都投入到了这张专辑的制作中。或许他们是想对前些年的音乐道路做一个完全的总结。所以，这张专辑中包含了所有Arab Strap乐队的味道，特别适合没有听过他们音乐的人来聆听。在Arab Strap2003年的专辑《Monday at the Hug and Pint》中，从第一首《The Shy Retirer》中明显加快的节奏到《[内容被过滤，请注意论坛文明]ing Little Bastards》中加重加噪的配乐中可以感受到他们求变的欲望。但是，说句老实话，这种尝试显然是失败的。从这两首歌曲中Moffat完全丧失魅力的嗓音中就可以略窥一二。最后，他们在专辑的后几首歌曲中又不得不回到原来的那种沮丧颓败的风格中。看来，他们求变求新的道路还是异常艰难的。或许说成也Moffat，败也Moffat。

很多人在听Arab Strap乐队后会联想到苏格兰另外两个乐队Belle & Sebastian和Mogwai。虽然他们都在Matador公司发行过唱片。但是，这三个乐队之间风格差别还是蛮大的。尤其是Belle & Sebastian，他们属于低调民谣中的清新派。音乐风格比起Arab Strap和Mogwai来多了许多鲜亮的味道。吉他更加明快，人声清爽而又富有朝气。而Mogwai则是后摇滚味道甚浓，尤其是他们这几年来的作品。吉他只用来制造声响，合成技术和电子鼓的运用也颇多。虽然，近几年来，Arab Strap乐队的音乐多多少少也受到浪潮汹涌的后摇滚音乐理念的影响，但是由于Aidan Moffat和Malcolm Middleton，尤其是前者骨子里的那种摆脱不了的民谣本质使得乐队再怎么变也不可能成为后摇滚运动的坚强追随者，最多成为后民谣强硬分子。[/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.ugmusic.org/cody/newbirds.wma]new birds  （点击下载）[/URL]

谢谢楼主的解释，等着看楼主介绍Bon Jovi和linking park了。我听得比较少，接触到的也主要就是这2个和sugar Ray, MatchBox twenty. 不知道有没有机会看到楼主的详细介绍。

实在感谢大师的指导。

楼主太强了，音乐知识丰富啊，我在这里学到很多知识啊。

[size=5][color=red]87.Industrial（工业） [/color][/size]
[size=3][color=blue]        是摇滚和电子音乐最研磨和侵略性的融合，工业最初是avant-garde电子试验（tape music, musique concrete, white noise, synthesizers, sequencers,etc.）和朋克挑衅的混合。当工业开始发展时，它avant-garde的影响逐渐变得没有连续的重击，无情的，手提钻般的节拍重要了，这种节拍将它带进了更黑的另类到欢快的主流舞曲。工业标志性的声音是粗糙和带有威胁性的，但是它的愤怒是附属于有意的机械性和麻木的重复音乐下的，这能很好的适应歌词那种疏离与灭绝人性的主题。在90年代早期，Ministry 和Nine Inch把他们的多样性带进了工业中，展现给了广大的独立摇滚和金属的听众，但是一些顽固的工业乐队仍然选择保留地下的特点。最早的工业乐队---Englands Throbbing Gristle，Cabaret Voltaire和Germanys Einsturzende Neubauten---最初都和他们的音乐一样来诠释他们beyond-edgy的舞台艺术。第二代工业乐队---包括Skinny Puppy, Front 242, Nitzer Ebb---在他们原有的音乐形式上加入了连续打击的舞曲节拍，因为次风格常常涉及到电子形体音乐（以类似Wax Trax的风格为中心）。其间，如Ministry 和FMFDM乐队加入了金属吉他的重复调，这帮助了Ministry突破了在80年代末期和90年代早期的广大听众，Nine Inch Nails, Trent Reznor则加入了更多传统歌曲的结构并且形成了自己的特色，让音乐中很少融入人的出席并且在这一过程中成为了明星。这种更普遍来自工业的吸引人的紧张情绪继续影响了独立金属贯穿于整个90年代。尽管如此，在工业金属开始走向衰退的时候，一个工业舞曲接近于排外的电子固守于地下形式仍然继续兴旺，这是通过许多来自美国和德国的乐队。 [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Skinny Puppy [/color][/size][/align]
[align=center][attach]221596[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        Skinny Puppy(瘦皮狗)是温哥华的一支工业团体。作为黑暗派工业音乐的先驱，Skinny Puppy存在了十五年之久。他们的作品极端鼓吹工业音乐的冰冷机械，十几年里以暴力、性、世界末日为内容的歌曲着实吓跑了一批试图崇拜它的支持者，连他们歌特风格的扮相也成为媒体大肆攻击的对象。然而，Skinny Puppy依然坚定地把这一音乐类型向前卫风格演化，并且毫不妥协地使用令人反感的歌词。厚重的吉他，不停歇的、装甲板似的敲击节奏，还有疯狂的人声混合在一起，Skinny Puppy总是致力于攻击我们精神堡垒中的漏洞，挑战并激怒它。

最初的Skinny Puppy只是做一些阴森的舞曲，在Dwayne Goettel加入后，Skinny Puppy 开始注重采样效果和合成器的运用，音乐在保持了歌特气质、电子味道的同时更加突出了工业元素。80年代中期，这种融合后的风格被许多工业摇滚乐队接受，逐渐成为工业摇滚的主流风格。到90年代前期，乐队核心人物Nivek Ogre一直忙于发展个人事业，乐队开始出现危机。但在危机的背后，许多新乐队在Skinny Puppy 的积极扶植下成长起来。Skinny Puppy 在1996年推出了五年内的首张专辑《The Process》，专辑滑铁卢式的惨败，最终导致了乐队的解体。成员Cevin Key、Dwayne Goettel开始做个人发展，Nivek Ogre于1998年吸毒过量去世。

与很多工业乐队一样，Skinny Puppy对工业噪音的喜爱、探索是音乐上的，而并不是在理念上“鼓吹”其中的“冰冷机械”。事实上，很多工业音乐正是利用这种“冰冷机械”的声音来表现和反观现代工业社会和人性中“冰冷机械”。Skinny Puppy的音乐本身是复杂、黑暗的，同时是真实、自省的，Ogre甚至在舞台上将毒瘾发作时的痛苦真实展现给观众。

Skinny Puppy这个名字本身就具有这样的含义：一个受尽虐待、任人宰割的弱小动物，一旦它开始发声，那将是一种极端痛苦、愤怒的咆哮。他们的代表作之一“Testure”，用“那些笼子中颤抖的小动物，在痛苦测试中扭曲了的小脸，以及仁慈的‘白大褂’冷漠地按下真空装置的按钮”这些触目惊心的场景见证了在活体试验室中发生的一切。在一些现场表演中，Nivek Ogre也以极具震撼力的舞台行为艺术向人们展示所谓“动物实验”的残酷性。Skinny Puppy 甚至一度成为“动物权利”的代名词。此外，Skinny Puppy的音乐还带有鲜明的政治色彩，创作于1988年海湾战争时期的《Vivisect VI》，其中对化学武器、利益驱动战争、疾病等的有力描述使它无可争辩的成为历史上最优秀的反战作品之一。

1998年，Autechre、Neotropic、Adrian sherwood、Kmfdm、God lives underwater等一批乐队推出翻唱专辑《Remix Dys Temper》向Skinny Puppy 致敬，纪念这支历史上最“野蛮、率直、危险”的工业摇滚先驱。[/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.freeserbia.net/Artist/Spasmolytic.mp3]spasmolytic （点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]88.Industrial Dance（工业舞曲） [/color][/size]
[size=3][color=blue]        在80年代，工业舞曲从一种朦胧试验形式到他相当流行，直接适合于对limp-wristed独立音乐，cock rock和重金属不喜爱的增长的观众群。早前因“电子形体舞曲”而著名的乐队，如Front 242, Nitzer Ebb, Skinny Puppy和Ministry获得了重大意义的在俱乐部的唱片播送权。在90年代，工业已经分裂为吉他和电子两种形式，后者经常坚持传统的电子形体音乐。Americas Cleopatra Records以最多工业舞曲表演为特色，包括了Leherstrip, Spahn Ranch和Die Krupps。 [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Diary of Dreams [/color][/size][/align]
[align=center][attach]221598[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        Diary of Dreams最初的成立是作为Adrian Hates的个人旁系乐队，早在80年代末期Diary of Dream就早已成立，但直到1994年乐队才发行了第一张专辑“Cholymelan”，这张专辑在吉他手Alistair Kane的协力帮助下不失为乐队的一张经典之作，为广大歌迷和地下音乐媒体所赞誉。  

然而随着乐队96年发行的第二张专辑“End of Flowers”，Diary of Dream的发展已势不可挡。这张专辑由Adrian自己的品牌Accession唱片发行。专辑“End of Flowers”的发行让Diary of Dreams巩固了自己在歌特/暗潮音乐领域内的地位，其中几首单曲还收录到了随后的几张compilation中。  

然而Adrian和Alistair的脚步却没有从此放缓，一年之后乐队的第三张专辑“Bird Without Wings”又新鲜出炉了。随着一场场的宣传演出，这张专辑的销量也节节判升，同时赢得了更多的赞美，而专辑的设计质量也甚为精良，高清晰度的图片效果，漂亮的衬页及排版，沿袭着“Cholymelan”精美的CD包装风格。从那时起，Diary of Dreams已无疑成为一股不容轻视的力量，Adrian的每张作品都能够成功地一次次超越以前的专辑，乐队的歌迷数量同时也在不断上升，独立媒体对乐队的采访越来越多，好评如潮。  

1998年乐队阵容有所变动，[Os]mium和Christian Berghoff加入了乐队，这为乐队的现场表演水平打下了良好的基础，同时为乐队的音乐和创作注入一股新鲜活力，这无疑也促进了Diary of Dreams第四张专辑在98年初的全新诞生，在这张“Psychoma”中乐队在音乐中结合了更多的电子元素，然而新的音乐元素在富有技巧的表现手法下没有使Diary of Dreams丧失他们原先独特而具有亲和力的声音，同时乐队凭借专辑中富有哲理性的歌词和华丽眩目的歌曲在不断前进发展的历程中又迈出了坚实的一步。  

Diary of Dreams历史的下一幕是专辑“Moments of Bloom”，这一张非常特别的带有“精选”意味的专辑，其中收录着前四张专辑的许多remixed以及remastered版本，还有四首新创作的单曲。  

接着在2000年2月，乐队的第六张专辑“One of 18 Angels”上市了，这激烈的11首单曲再次震撼着那些忠实的歌迷以及许多仍存疑虑的新乐迷们，同时还登上德国另类音乐排行榜。专辑发行后的整个夏季里乐队出席了一系列音乐节和同台表演，而乐队的阵容有了新的调整：Torben Wendt加入乐队成为新的歌手，同时乐队的现场演出也更加独具魅力而吸引人——两位主唱在声音和动作的配合下形成一个完美的整体。  

一年后即2001年的月份，Lil'K加入了乐队，在4月20日的Kopenhagen举行了在Diary of Dreams的首场表演，展现了他激烈而蛮横的吉他技巧。7月份Torben去加拿大短暂停留，而乐队继续由Adrian,Lil'K和[Os]mium参加各种演出。而现在Diary of Dreams正忙于创作他们的第七张全新专辑“Freak Perfume”。[/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://sky.tianzhiwen.cn/music/黯夜的蔷薇/11%20Now%20This%20Is%20Human.wma]Now this is human （点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]89.ndustrial Metal（工业金属） [/color][/size]
[size=3][color=blue]        当纯正的工业带着它主要的来自试验音乐和电子舞曲暗示，工业金属使电吉他扭曲的噪音成为了音乐中一个重要的组成部分。一些工业金属乐队让他们的歌曲建立在围绕着金属风格吉他重复段上，当其他的使用更多它能创造出的粗糙刺耳和研磨的质地。另一方面，工业金属一般比起straight-ahead金属来说，带有更多的侵略魄力，由此帮助了这种风格横穿于习惯了以吉他为主的金属和另类音乐的听众。工业金属的歌词也反映了黑暗和标准重金属的侵略性，尽管敏感性通过对朋克和另类摇滚个人意识上的疏远被筛选出来。无论它的愤怒是转向人性内还是表露于社会，工业金属永远表达一种阴冷和受折磨的焦虑的感情，通过它的重击墙壁般的噪音来抒发来自世界边缘的接近绝望的疏远。Ministry是最早的一个在80年代末普及工业金属的乐队，以他们为标志的建筑在重复演奏jackhammer guitar，电子，试验和失真声音上的碾磨；然而，Nine Inch Nails才是在９０年代早期真正把声音带向主流社会的乐队，因为Trent Reznor在谱曲和多层作品上的才能。由于NIN在成功上的激发，许多类似声音在另类广播上突然出现了，在近十年末期，许多流行另类金属乐队将工业金属电子的优秀作品适当的融入到了他们侵略性的混合音乐风格中。[/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Fear Factory  [/color][/size][/align]
[align=center][attach]221600[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        FEAR FACTORY是死亡金属界最早推行创新主义的少数几支乐队之一，其音乐融合了工业噪音、电子采样和节奏以及狂暴、杂乱刺耳的吉他声响，从而创造出复杂多变、阴冷沉重的音乐。毫无疑问，这是一种悲观的、具有逃避倾向的声音，但它恰好表达了高度工业化的现代社会中许多人对生活的感受。猛烈夸张的旋律加上叙事诗般的意境当然会赢得众多的支持者，于是成功显而易见。

“对于我们来说做到这一切都并不容易，”吉他手Dino Cazares回忆说，事实的确如此。乐队成立于1990年的洛杉矶，最初由主唱 Burton C．Bell、吉他手Dino Cazares和鼓手Raymond Herrera组成，其后加入贝司手Andrew Shives。“那时还是艺术摇滚的天下，他们当然不能容忍我们的存在……，我们只能在一些小型的聚会上演出。”但乐手们丝毫不为所动，继续坚持创造属于自己的音乐，并且终于在洛杉矶的Death Metal公司为其发行了两首颇具影响力的单曲之后，与著名的Roadrunner唱片公司签约。1992年，乐队推出首张专辑《Soul Of A New Machine》，它标志着Fear Factory已经成为一支真正的死亡金属乐队，而同年发行的EP《Fear Is The Mind Killer》则更是Fear Factory对其音乐理念的实践和对独立音乐的探索，其后于1995年发行的《Demanufacture》和1997年的EP《Remanufacture》都是这种创新精神的延续，一直到现在的《Obsolete》。

“这是我们所做过的专辑当中最困难的一张，因为我是在塑造一个传奇故事，” Burton说：“这一直是我们唱片的一个主题，我们的观点是让Fear Factory 的故事一直延续下去。”而《Obsolete》将被证明是一个特别的挑战。“我们并不想重复以前自己所做过的事情，” Dino解释说：“这正是许多乐队失败的原因，他们总是一遍遍地重复着自己的过去，而我们总在做一些新的尝试，不断地寻求突破。对 Fear Factory来说，没有所谓的过去，只有更新的音乐。”[/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.deathmetal.net/sounds/FearFactory_Desecrate.mp3]Desecrate （点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]90.Instrumental Rock（器乐摇滚） [/color][/size]
[size=3][color=blue]       在最早期，摇滚强调的是容易的常包含着同样易记歌词的悦耳曲调。然而那不是经常的情形，假如曲调是足够的坚固，那么摇滚乐器就要理解并且开始打击。这种现象最常发生于在摇滚刚出现的十年里面，它在英国入侵之前建立了一种器乐摇滚的黄金时代。这种以打击乐器导向的曲调能够强调管风琴（the Tornados “Telstar”）或是萨克斯管(the Champs “Tequila”)，但是大部分时候它是以吉他为主的，如Duane Eddy的拨弦声，Link Wray内部模糊的音质，Ventures清晰摘取的反应，这些都对许多后来跟随于其后(Eddy 和the Ventures同样获得了相当多的单曲上的成功)的摇滚吉他乐手造成了一个极大的影响。The Ventures尤其受到了发展浪潮音乐的影响，它---除了一些像the Beach Boys 和Jan & Dean的组合---经常有重回音吉他乐器组成。尽管这种快速激情的挑选和中东的衡量有时被浪潮吉他的改革者Dick Dale借用，大部分浪潮音乐是相当简单，保留了它曲调的重点。在英国入侵之后，器乐敲打主要被限制于R & B领域，其中的乐手如Booker T. & the MGs 和萨克斯管手Junior Walker。疯克和disco在７０年代创作了一些乐器打击单曲，并且许多艺术摇滚乐手技术上的艺术鉴别力使它的乐迷珍视器乐的演奏，即使大部分的歌曲是以一个或其他的要点为代表的。这种强调技术上的技巧延续到了８０年代，当受过高等训练的吉他鉴赏家开始在重金属中占有支配地位，甚至开始录制他们的个人专辑。在９０年代，器乐音乐造成了在独立摇滚团体中的复原，在eclectic, avant-garde post-rock团体如Tortoise的领导下，浪潮摇滚复兴运动者如Man or Astro-Man也是一样的。 [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Tristeza[/color][/size][/align]
[align=center][attach]221602[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        Joe Satriani（乔·塞奇尼）1957年7月15日出生于纽约长岛，在他过完14岁生日不久，他心中的英雄吉米·汉德克斯去世了。失掉偶像的乔绝 定退出高足球队拿起吉它。自学三年后，乔在长岛地区小有名气，常能教上别人两手。有一天一个身材瘦小的小孩抱着一把琴和一打琴弦出现在乔·塞奇尼的家门口，向他求教，这小孩就是 后来成为进步摇滚音乐界一代宗师的吉它手——史蒂夫·范（Steve Vai）在日本生活了几年之后，乔·塞奇尼于1978年定居旧金山，并在著名的加州伯克利大学城内的“二手吉他”学校内教吉他。10年之中乔门下高手辈出，戴维·布莱逊、柯克·汉密特、查利· 亨特及艾力克斯·斯柯尼克等著名乐手都曾是 他的弟子。

1979年，乔和鼓手杰夫·加密泰力、贝司手安迪·弥尔顿一起组建了一支流行乐队：“广场”。后来这种能量巨大的三人结构 乐队形式一直伴随着乔的个演艺生涯。1983年圣诞节，乐认休 息的三个星期中，乔以闪电速度注册了自的唱片发行公司“奇 妙音乐”和以她妻子的名字命名的独立制作公司“鲁华娜”。在 推出了一张录有五首纯吉他音乐的EP专辑之后，乐队的另外两位成员开始讥讽他“神经错乱”，并预测他的录音生涯将不了了之。乔不为所动，反而以更大的热情，用5000美金的超低成本，于1985年制作完成首张完整的纯吉他音乐专辑《不属于这个星球》。直至今天，乔仍用“神经错乱”来赞美其他的优秀音乐 家。

尽管《不属于这个星球》没收到什么反响，但经由史蒂夫·范的大力推荐，为乔赢得了一家唱片公司的录音合同。这时乔以巫师般的狂热钻研吉他演奏技巧，风格日渐成熟。1987年的第二张个人专辑《与魔同行》推出不久即达白金并获得葛莱美奖提 名。1988年，乔两度中断自己的巡演，这期间留下的三首现场录音后来被整理成EP专辑《第11号梦》，使乔再获葛莱美提名。

在1989年的专辑《蓝色梦中飞行》中，乔一口气录制了18首曲子，并演唱了其中6首，只要听听其中的《我相信》，就可知乔作为一名歌手也功力不凡。1992年的专辑《极端分子》刚一推出就上了Billboard榜第24名，其中的主打曲目《夏日之歌》后来 被索尼唱片公司用作纪念CD问世10周年的特别歌曲。

1993年乔·塞奇尼重磅出击，推出双套专辑《时间机器》。第一张中收录了一批历年积攒的录音棚旧作和海外发行版本；第二张中则是14首现场录音。为《时间机器》而作的巡演场场爆满，被誉为摇滚史上难得一见的奇妙之旅。

1995年乔·塞奇尼推出第七张专辑《乔·塞奇尼》。之后经过一年筹备，由乔·塞奇尼、史蒂夫·范和艾力克约翰逊组成的90年代摇滚乐坛的最强吉他阵容G3乐队开始在北美洲巡演。这场历时24天的吉他盛会使得铁杆摇滚乐迷欣喜若狂。之后G3推出《音乐会实况》专辑和录像带刚一面市就被抢购一空。1997年5月G3远征欧洲，6月又回师北美、吉他巫师的神话在一场场激动人心的吉他演奏中延续。[/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲[/color][/size][url=http://rockgen.panez.com/attach/1/1399731082.mp3]Crystal planet（点击下载） [/url]

[size=5][color=red]91.Jazz-Rap（爵士说唱）  [/color][/size]
[size=3][color=blue]        爵士说唱是一种将早期黑人音乐和当今主流音乐风格融合起来的一种尝试，在如今后者逐渐占据绝对地位的同时，它使得前者重新焕发出光芒。爵士说唱的节奏与hip-hop完全一样，其素材和音乐结构取自于cool jazz（冷爵士），soul jazz（灵魂爵士）和hard hop（硬爵士）。同其他风格的hip-hop相比，爵士说唱更具有一种理性，而且其艺术家在表演时也表现出一种以非洲为中心的政治意识和历史风格。由于有这些理智的特点，因此毫不吃惊的说唱从来没有获得大众的喜爱，但是它不仅仅是这样。在二十世纪九十年代初期，相对于hardcore（硬核）/gangsta所走的道路，爵士说唱把自己设计成正面明确的风格，从而来继承说唱潮流。而由于hip-hop的影响在歌迷中的逐渐扩大，使得它不能认同并接纳带有旧城区敌对情绪的音乐。爵士说唱在诸如大学校园里拥有大量的歌迷，同时它也被一些艺术评论家和另类白种摇滚迷所欣赏。非洲中心说唱组织，一个在纽约建立的自由团体，是爵士说唱最重要的中坚力量。它拥有A Tribe Called Quest,De La Soul和Jungle Brothers等，也有Digable Planets和Gang Starr之类比较著名的早期艺术家。从上世纪九十年代中期到末期，尽管说唱爵士从根本上包含他们本身富有生命力的hip-hop编曲，但由于另类说唱卷入到更宽阔的表现形式上,使得它已经不再是一种独有而单调的音乐形式。 [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]US3 [/color][/size][/align]
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[size=3][color=blue]        1993年，一支名为US3的爵士乐队，以他们的专辑《传递火炬》（HAND ON THE TORCH）在排行榜上获得了很好的成绩，这张巧妙地融合了街头HIP-HOP舞曲和经典爵士的专辑，成为了其所属的蓝音公司建立以来最畅销的作品，在这张专辑的每首作品中，都有乐队成员基奥夫．威尔金森（GEOFE WILKINSON）从蓝音公司以前经典爵士作品中取样而成的爵士乐曲片段，在兜兜转转了数十年后，爵士乐又成为了舞池热门，所不同的是，当年它是由大乐队在豪华舞厅中不停演奏，现在则是被DJ以打碟的形式反复播放在迪厅中，历史仿佛产生了轮回。

US3的这种音乐，就是酸爵士（ACID HOUSE）。从严格意义上，ACID这个词组并不能被子直译成“酸”，它更带有迷幻和恍惚的意味，在60年代的摇滚乐中，ACID ROCK便是迷幻摇滚，而到80年代，许多迪斯科舞厅开始流行一种叫ACID HOUSE的舞曲音乐，这种音乐漂浮恍惚，让人昏昏欲舞，显然其是受到了药品的作用，许多DJ很喜欢玩这种音乐。

同时，DJ也着迷于美国街头的黑人舞蹈，也就是我们熟悉的HIP-HOP，当年曾在中国风行一时的霹雳舞，就是早期HIP-HOP舞蹈的一个分支，它强调一种有力的节奏，以疯客和说唱构建自己的音乐。酸爵士就是在ACID HOUSE、HIP-HOP和经典爵士乐的基础上诞生的。
1994年Jazz/Hip-hop Fusion组合Us3以一首"Cantaloop(Flip Fantasia)"成为一大热门，这首歌显示该组合喜爱将Blue Note这个厂牌的经典录音加以采样（该曲原为Herbie Hancock的“Cantaloupe Island”）。组合在1991年于伦敦成立，当时演唱会推广人及爵士乐作曲Geoff Wilkinson遇到Mel Simpson，Mel当时为电视节目和广告jingles写曲。此二人制作了一首独立的单曲，"Where Will We Be in the 21st Century?"，该单曲售出少于250张。

1992年，他们的另一首歌"The Band That Played the Boogie"引起Blue Note的所有人Capitol Records的注意，并给予二人任意采样的自由。两人马上着手工作，聘请了音乐人和说唱歌手Kobie Powell和Rahsaan Kelly，Tukka Yoot后来也加入。其结果就是热门歌曲"Cantaloop"和专辑Hand on the Torch。

该组合去日本及欧洲巡回演唱，在现场表演中逐渐放弃运用采样，并在1993年的Montreux爵士音乐节的演出中获得好评。大多数爵士的出版物对Hand on the Torch不屑置评，但却被日本的Swing Journal评为年度专辑，英国的The Independen也将年度爵士乐手的名衔受于该组合。在推迟了几乎三年后，Us3以"Broadway & 52nd"于1997年重返乐坛，该专辑得到积极的评价但未能产出一首热门主打歌。 [/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://61.152.249.136/banzou_30039/IROCK/303305/2006111563054.mp3]cantaloop Flip Fantasia（点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]92.Jazz-Rock（爵士摇滚） [/color][/size]
[size=3][color=blue]        爵士摇滚可以用来指爵士阵营中最吵闹、最狂野、最电子化的那些乐队，但它更多地被用来形容这个等式中来源于摇滚这一阵营的表演者们。爵士摇滚最早出现在60年代末期，它试图将摇滚所拥有的发自内心的力量与爵士所拥有的音乐复杂性和即兴表演融合起来。由于摇滚通常强调的是直接和简单而不是精湛的技巧，因而大体上可以说，爵士摇滚的来源是60年代末70年代初，那些在追求艺术上最有野心的摇滚亚流派：迷幻剂、前卫摇滚、以及歌手/歌曲作者运动。它融合了爵士乐更老练、更理智的一面，并常在乐器的即席创作中加入人声；此种学派的代表人物包括Joni Mitchell, Van Morrison, 和 Tim Buckle. 尽管如此，大部分爵士摇滚仍是由那些精力更为旺盛的摇滚团体来演奏的。他们中的一些是以即兴演奏为方向的，被他们扩展了的带有摇滚口味的即席创作充分借助了爵士乐中的和声及乐器，代表乐队是Traffic和Santana. 其它一些记录在案的带有爵士风味的R&B或流行乐队还有Blood, Sweat & Tears, Chicago和Steely Dan，他们运用了爵士乐中旋律性强、使用和声、富有节奏等特性，但对于即兴演奏和乐器使用上的技巧却不感兴趣。另外还有一些乐队，他们运用了爵士的复杂性来进一步扩展摇滚的音乐界限，不仅表现在器械技巧方面，还包括创作离奇的、令人深思的、难以预料的音乐作品，比如Frank Zappa和the Soft Machine. 而其中最主要的人物就是Miles Davis，他是自早期的R&B开始觊觎摇滚朴实的力量并对年轻的听众造成一定影响之后的第一个爵士音乐家。从“1970s Bitches Brew”开始，Davis70年代早期的作品 -- 其中大部分灵感来源于Jimi Hendrix 和 Sly & the Family Stone -- 迅速成为爵士摇滚唱片中最疯克、最边缘、最前卫的那部分。尽管像Zappa 和 Steely Dan 这类的人物在整个70年代都一直在灌制爵士摇滚的唱片，但到80年代，这场运动从本质上说已经消散，它的听众也被爵士摇滚其它更为成熟的音乐形式所俘获。 [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Van Morrison  [/color][/size][/align]
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[size=3][color=blue]        从西元十七世纪开始，北爱尔兰因为种族、文化、宗教、政治与阶级的对立，成为分离主义最为盛行的地区，同时三十多年来，KB攻击与流血冲突更是瀰漫著北爱尔兰地区。然而，在这样动盪的环境里，仍然出现了许多杰出的音乐人，Van Morrison范?莫里生就是其中一位。 俨然是摇磙音乐界传奇的Van Morrison，不但是爱尔兰近代民谣革命运动代表之一及摇磙的精神宗师，他在创作及演唱方面的革命性作风，更已渗及整个西洋乐界近卅年来的发展行径。来自於北爱尔兰首都Belfast贝尔法斯特的Van Morrison范?莫里生，出生於1945年。1963年时，参与北爱尔兰六零年代非常重要的蓝调摇磙乐团─Them乐队，主要负责音乐创作与主唱。 Van Morrison待在Them乐队的3年多的时间，也是Them乐队成绩斐然的辉煌岁月，但就在唱片公司主导乐团的音乐方向日益严重之际，Van Morrison痛苦地决定离开乐团，并且开始了个人的音乐生涯。1967年，Van Morrison发行了他的个人首张专辑「Blowing Your Mind」，这张专辑不但是Van Morrison个人音乐生涯的里程碑，也是整个西洋乐坛最为尊崇的经典专辑之一。脱离了原本调性较软的Them乐队，使得Van Morrison在个人首张专辑「Blowing Your Mind」中获得更大的发挥空间，而他在文学方面的造诣，也得以展现在更多元的曲式中。开场的是一首轻松中带有年轻活力的Brown Eyed Girl，过耳难忘的吉他前奏已是经典中的经典；长达九分多钟的T. B. Sheets，却变成一首老成的蓝调佳作；Spanish Rose转换成流畅的抒情歌曲，到了Who Drove The Red Sports Car又充满了浓浓的灵魂味。Van Morrison如同紧贴著心灵的唱腔，和他多变的创作曲式一样令人嘆为观止。而开场曲「Brown Eyed Girl」，简单轻松的三和弦中带著淡淡拉丁味的曲风、经典的吉他前奏加上Van Morrison独特叙事风格的歌词，让这首歌曲，成为Van Morrison最为人所熟知的作品之一 [/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://ktone.homeip.net/rc-dlds/SomeoneLikeYou.mp3]someone like you （点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]93.Jungle/Drum \'N Bass（舞曲/鼓与贝斯） [/color][/size]
[size=3][color=blue]        Jungle起源于英国，他是一种出现在二十世纪九十年代早期的基于硬核技术的全新艺术形式。在所有的音乐风格里，它可算得上是最富有节奏的，其特点表现在完全依赖于快速的多节奏和鼓音变化。通常，它在硬核技术里最难的部分，即整个乐器的构成---仅有鼓与贝斯。就象它的名称含义所指示的，它比大多数硬核更明显受到reggae（西印度群岛的节奏很强的流行音乐和舞蹈），dub和R&B的影响---这就是为什么许多评论家宣称这种音乐简直就是黑人歌手创作心血的结晶，同时也使那些沉溺于硬核风格的DJ不得不开始关注它，然而，junggle从来没有放慢脚步来沿袭它以前的旧式风格，恰恰相反，它还在加速。尽管junggle成功的实现了音乐风格的转变，而且goldie1995年的首次演出在当时比起其它形式的音乐手法有了一个更宽广的音乐氛围空间，但是同大多数音乐所体现的风格一样，junggle最早是为一小部分具有献身（前卫）精神的听众而设计的一种单一风格，许多著名的艺术家都将注意力转移到junggle上，把breakbeats同爵士，电影音乐，ambient(氛围)和trip-hop融合在一起从而有更大的创新。 [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Lamb [/color][/size][/align]
[align=center][attach]223477[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        lamb由一队夫妻档组成，妻子Louise Rhodes 和丈夫 Andy Barlow。和许多乐队一样，妻子主要承担VOCAL的角色，而丈夫则主要摆弄一些器材，研究曲式的框架和如何弄出许多有意思的节拍与鼓击来。

Louise Rhodes 绝对不承认自己只是一个简单的vocal角色，她的嗓音特点绝对不是那种所谓的飘渺，而她的特色是多变，在转音和拖音上都常常一波三折。并且由她自己做词自己演绎。

其实lamb的音乐成分占比重更大的应该是Drum&Bass,搞不懂怎么会被归类为trip hop的。难道是女主音Louise Rhodes 鬼魅的唱腔还是其鼓机？可明明是典型的Drum&Bass玩法啊。

评论一则:

　　犹记得初邂逅到Lamb这队来自英国曼彻斯特市的二人组合时，早已对他们为之另眼相看。纵使在那个年头里，传媒与乐迷们只会短视地把他俩视为那群「后Portishead组合」抑或「Drum'n'Bass版本的Portishead」看待。但只要当你深入认识过Lamb的音乐的时候，便会洞悉二人能令人趋之若鹜之处，是所带来的音乐已不独停留着聆听的层面；在聆听之余亦能让人有思考与联想的余地，让人可作象征性的比喻。这才是最难能可贵的音乐艺术。

　　自己曾在两年前把Lamb的两位成员AndyBarlow和LouRhodes比喻为「茫然和苦恼的现代阿当与夏娃」，这是我看过二人的宣传照片与听到他们的首张同名专集时所作的联想。从事时装摄影师出身的Lou，本身已对视觉美学特别讲究。就Lamb在多年来的宣传照片而言，可见他们往往喜欢以大自然作取景，那就彷佛是这对阿当与夏娃在追寻回他们心目中的伊甸园般；然而二人所流露出的懊恼神情，却似是在徘徊于善恶的彼岸下重新面对这个美丽乐园时所泛起的不安情绪；又抑或这根本是反映出他们的避世意图。在背后你可有看到他们的一份自省性吗？

　　Lamb的音乐，往往是流露出一种对生命发出苦恼且惶恐的情绪，正如他们的第二张专集，亦定名为FearOfFours。

　　阴与阳

　　Lou曾以「阴与阳」来比喻过他俩的合作关系（这当然是不独是代表着男女性的分别），到底二人基本上是来自南辕北辙的音乐背景，对音乐把持着截然不同的观念。但Lou和Andy走在一起的时候，这个对比却得以构成Lamb的音乐交合作用所在。

　　我们知道，Lou的母亲是一位嬉皮民歌女唱作人，她自幼已跟随母亲出席夜店与音乐节的演出，兼且受其感染而开始学习唱歌，可以说民歌正是她的音乐根源。后来她爱上了HipHop和骚灵音乐，可是却无意向这方面的歌唱事业发展，所以还是专心在时装摄影的工作。另一边厢，Andy在九岁那年成为了银乐队的鼓手，从而奠定了他对节拍与鼓击的渊缘。后来他远赴美国费城升读高中时，得以对HipHop触发起浓厚兴趣；到了当他返回英伦那阵子又正适逢2ndSummerOfLove的爆发，早年的Techno浪潮亦为他带来了另一次无比的冲击。HipHop与Techno正是他所兼备的两种音乐态度。93年，他来到曼城攻读音响工程的课程，继而于翌年开始在当地从事Engineering与制作Remix的工作，同时他亦有以HipOptimist的名义制作他的HipHopTechno作品，更曾在当时开业不久的Brighton厂牌Skint旗下发表过Anafey这张细碟（Skint的第三张出品）。

　　这本是两个风马牛不相干的故事，又有谁去料到二人会有相遇的一天呢？

　　当遇上夏娃（后现代版）

　　来自不同圈子的Lou和Andy之认识经过并不传奇，双方只是透过朋友的介绍下而遇上。由于那时Lou不甘于摄影工作而希望重投歌手的生涯，但又不想作为那些弹结他唱歌的唱作人，因她明白到音乐已迈进了一个新纪元；而当时Andy又有意在现场演出时找来一位歌手合作。故二人经过几次会面之后，Lamb亦正式在95年成立。合作之初期彼此也经常因意见分歧而出现争辩的情况，但渐渐地却学懂了去尊重对方的迥异之处与个性。这就是Lamb的合作相处之道。

　　结果，当年自己听到Lamb的第一、二张细碟CottonWool和Gold的时候，已把他们视作惊为天人的发现。其实在他们仍未发表首张专集之前，808State已率先找来Lou在其DonSolaris专集里客串主唱一曲Azura（而808State的GrahamMessey亦有在Lamb的唱片里助阵）。

　　Lamb的首张同名专集，是96年度一张不可多得的出品。Andy所设计出带有实验性／机械性的Drum'n'Bass曲式建筑、Lou的哀怨演绎与民歌式曲调、爵士乐式低音大提琴、室乐式管弦乐……这些本是互不相干的素材，却能融会成Lamb的异色音乐世界，交织着人性与机械、感性与自省的交叉点。然而在音乐里所呈现出的哀愁孤独感与黯然的色调，才是其触动心灵之处。

　　三年后的今天，Lamb亦出版了他们的第二张专集FearOfFours。

　　在惶恐下逃避现实

　　FearOfFours仍是一张沉淀着幽暗色调与不寻常气氛的唱片：在其Drum'n'Bass或TripHop骨干底下，其实是一个幽悒的Dark-Pop世界。但原来在这张唱片的制作期间，Lou正怀有身孕。碟内的歌曲，都是她带着大肚皮在Lamb自设的录音室Toyshop里灌录。甚至她更用了当年还在其肚子里的孩子Reuben之心跳声作Sample呢。

　　同样地，这次的作品依旧用上不少有机性的真材实料伴奏，乐手方面除了之前已合作过的低音大提琴手JonThorne、弦乐团TheChainsawSisters外，还有小号手KevinDavy、TheDustJunkys的鼓手MikeyWilson、敲击手CrispinRobinson、Doves的低音结他手JimiGoodwin（此君也是Electronic新碟里的班底）。在音乐质感上，无疑比其同名专集时为更见丰富，音乐层次感更高。

　　唱片由一片神秘虚玄氛围引出的序曲式作品SoftMistake揭开序幕，也交代了这会是一张气氛幽闭而沉重的唱片。之后LittleThings在精湛的Drums'n'Bass曲式底下，Lou所道出是人们对生活琐事之遗忘，其实是对生命的迷失（Weforgetthelittlethings/Weforgettolive）。Lou笔下的歌词里，乃无形中反映着她对人生哲理的观点、道出了生命的谬悟。

　　在Jon的一手低音大提琴的弹奏与Mikey的爵士化鼓击下，令到这次Lamb作品更接近爵士乐轨迹。细碟作B-Line里Lou以妖孽般的嗓音成为歌曲的焦点，她的歌声乃苍白得好比Portishead在第二张大碟时的声音般，还有那达至疯狂状态的结他弹奏亦是功不可抹。新细碟AllInYourHands里Lou一下子变成如BillieHoliday般的爵士歌手功架，当浩瀚的管乐跟TripHop节拍丝丝入扣而来时，感觉是如斯荡气回肠。从她道出的一句"Every secondt a kesan hour / Ican'tsitstill"，那不安的情绪已直指人心。Bonfire在爵士化TripHop节奏用上了巴哈的CelloConcerto作Sample，所泛着的悲怆弦乐不禁令人怀缅起从前的一曲Gorecki。

　　明显地，这次Lamb是试图更强调出其有机性演奏的功架，歌曲的合作性亦较高。纯音乐EarParcel在配乐化的音乐背景与Breakbeat奔驰下，抢尽镜头是那技惊四座的Bassline独奏，何况还接上了TechnoRiff的点缀、Free-Form小号的吹奏，令作品有如剧力万钧而来。Softly以爵士鼓、低音大提琴与Bonga敲击构成的FullBand演奏，听似昔Sade的作品，甚有作为细碟歌的条件。而Here那复杂的节奏部分似是由拉丁节奏与部落音乐所混种而成，高潮所在当然是鼓击独奏响起时。

　　Lamb的作品往往是埋藏着耐人寻味的素材，这次较明显的是LessThanTwo和Alien这两曲。前者只有重复着五句歌词，Lou的三重唱方式与Ambient背景氛围，一下子Lamb也变成了CocteauTwins；后者则可听到Lou儿子Reuben的心跳声Sample，再配以深邃的电子Sequence与富有金属味的节拍，感觉却是幽闭与黑暗至极点。

　　从野心而言，FearOfFours无疑比Lamb的首张同名大碟来得更强烈。在歌曲里投射着人性的脆弱之余，他们也明白到音乐是唯一的逃避空间。

　　他们如何去投向电气化与Rhythm-Based的取向？由SteveOsborne取代EdBuller的唱片监制位置后会对他们造成怎样的影响？那彷佛为Suede这张三年来的"H"字头专集披上一层神秘感而来。 [/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://008.org.cn/up/pipi/Lamb_Till_the_Clouds_Clear.mp3]till the clouds clear pipi（点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]94.Kraut Rock（德国摇滚） [/color][/size]
[size=3][color=blue]        谈及的是70年代初期一批德国的乐队，他们扩展了艺术与前卫摇滚的声音可能性。这些德国乐队并没有跟随他们英美对手们的方向，创作那些以爵士乐和古典乐为基础的作品，或录制概念专辑，而是变得更加器械化和电子化。通过对早期的音响合成器的使用，以及将一些看上去毫不相干的磁带拼贴到一起，一些像Faust, Can 和 Neu 这样的乐队创造了一种更接近于先锋派音乐而不是摇滚乐的、低沉单调且富有节奏的声音。虽然这些乐队并没有在他们活跃的70年代造成太大的影响，但他们的音乐却在很大程度上促使了80年代初期后朋克特别是工业摇滚的兴起。90年代的时候，一些像Stereolab 和 Tortoise 这样的团体，开始把催眠节奏和德国艺术摇滚乐队的电子试验加入到他们自己模糊的先锋派独立摇滚中，德国摇滚亦开始风行起来。 [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Kraftwerk [/color][/size][/align]
[align=center][attach]223478[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        70年代中期，德国的 Kraftwerk 乐队勾勒了以后十几年中无数电子音乐家竭力追随着去实现的宏伟蓝图。从英伦 New Wave 运动到 hip-hop 再到 techno，乐队自己形容的“机器人流行乐”（用电子设备表现出的有催眠节奏的音乐）在电子音乐的每个新的发展阶段都产生了巨大的反响，深刻地影响着20世纪末同时代的流行乐。作为电子乐先锋，他们持久深远的影响无论怎样形容都不嫌夸张。
　　
　　Kraftwerk 是从60年代末的德国实验音乐团体中脱颖而出的，这个团体也孵化了像Can和 Tangerine Dream 这样的著名乐队。乐队核心成员 Florian Schneider 和 Ralf Hutter 首次相遇时还是西德一所古典音乐学院的学生。他俩起初在一个叫 The Organization 的五人乐队里，1970年乐队发行了专辑 《Tone Float》。接着 Schneider 和 Hutter 就解散了 Organisation，重新组建了自己的乐队并命名为 Kraftwerk（德文意思是“发电站”），开始在他们自己的工作室（后来称为“King Klang”）里制作起了音乐，沉浸在他用最低限度要求电子学创作的还不是很成熟的音乐中。他们1971年的首张专辑 《Kraftwerk 1》，提出了他们独特美学观点的早期雏形，并进行了一些创新的尝试，包括其中用到的由 Schneider 自己设计制作的电子设备。专辑中怪异机械的噪音处理和环境电声操作让当时的乐坛大吃一惊。
　　
　　接下来的是一系列的人员变换，甚至 Hutter 也一度离开了乐队。但是，到发行专辑 《Kraftwerk 2》 时， Hutter 又回来和 Schneider 一起工作了。这张录音没有用鼓，专辑的节奏部分全部由鼓机来提供，创造出了在那时还没有先例（从纯技术概念来看）的具有明显机械感的音乐，彻底地与传统音乐家背道而驰（正如当时的听众）。然后乐队举办了一些颇受欢迎的现场演出，直到他们第三张具有突破性的专辑，1973年的《Ralf and Florian》的发行。专辑把他们的野心和抱负精炼成一些简单但极有革新理念的动机，他们的音乐变得越来越具有启发性——尽管他们这种轮廓鲜明、科学的形象是完全处在那个时代流行音乐的对立面。
　　
　　Kraftwerk 在美国发行的第一张专辑，1974年的 《Autobahn》 获得了国际上的巨大成功。标题曲 “Autobahn” 长达22分钟半，剪辑后的单曲版在人们的家里和旅途中处处可闻。在美国这支先前不为人知的乐队却冲上了流行音乐专辑排行榜且居高不下。大部分用穆格电子合成器演奏的第一首序曲打破传统流行音乐的结构和旋律的同时，《Autobahn》 确立了独特的 Kraftwerk 之声。从这张专辑开始，Kraftwerk 便从 Krautrock 中蜕变到了纯电子音乐领域，并成功地闯入了流行音乐界，使电子音乐在主流音乐中找到了永久的立足点。
　　
　　1975年 Kraftwerk 以一张探讨无线电通讯题材的概念专辑 《Radio—Activity》 再次露面，专辑发行了德文和英文两个版本，预示了乐队在世界范围的流行。
　　
　　火车旅行是1977年的专辑 《Trans—Europe Express》 的主题，标志着音乐向机械化方向发展的运动正在兴起。《Trans—Europe Express》 对早期的 Hip-hop 产生过重大影响，它把一种比较冷酷严厉的节奏和胆怯神秘的高音调散射结合到了一起，这种效果具有催眠作用。Kraftwerk 善于使用重复部分，这种效果就像是节奏中带有弹性效应。曲子 “Metal On Metal” 就像是吹来一股凉爽的微风。
　　
　　1978年的专辑 《The Man Machine》 走得更远，在这张唱片里已完全失去了人类触觉。唱片封面的构图取自俄国结构主义大师 El Lissitzky 强硬的对角斜纹布局，它棱角分明的线条正符合 Kraftwerk 想表现的机器、动力等意想，乐队成员身着大红色的衬衫和漆黑色的领带，极富挑战性。这时，Kraftwerk 的成员甚至公开地称自己为机器人，开篇曲 “We Are the Robots” 更是巩固了这个形象。一曲旋律优美、典雅浪漫的 “The Model” 让人百听不厌。整张唱片的曲子结构严谨、编曲精细，乐队操纵起各种电子元素已是驾轻就熟，使这张专辑到达了 Kraftwerk 音乐事业的顶峰。
　　
　　紧接着乐队便从人们的视野中消失了，经过长期的缺席后发行了他们1981年的专辑 《Computer World》，却没有回到先前的动机，而是针对计算机这一将在全球范围占据统治地位的新技术的沉思——他们的音乐很早就对人类的将来提出了预示。专辑中的单曲 “Computer Love” 冲上了英国流行音乐排行榜榜首，之后他们便又消失了。
　　
　　沉寂了五年之久，1986年 Kraftwerk 推出了专辑《Electric Cafe》。这时，使用电子合成器和鼓机的流行音乐已经成了主流，乐队卓越的成就也使他们名垂青史。
　　
　　1991年，Kraftwerk 发行了一张名为 《The Mix》 的重新混音精选辑。以后的几年乐队一直保持沉默，直到1999年末才发表了单曲“Expo 2000”。
　　
　　回顾 Kraftwerk 的音乐历程，虽然到了后期乐队几乎没有发表什么新作品，但他们在现代流行音乐中的地位绝对是不可动摇的。从另一个角度来看，正是乐队这种寻求突破、不断创新的态度使其后来的音乐受到了限制，他们的完美主义精神为日后的创作设立了一个几乎不可能超越的标准。
　　
　　Kraftwerk 在70年代中期的三张专辑 《Autobahn》、《Trans—Europe Express》、《The Man Machine》 无疑是乐队最成熟完美的作品。Kraftwerk 的电子音乐摆脱了冗长繁复的结构，采用了小巧、循环的节奏编排，听来极为流畅悦耳。这三张专辑在当时的传统音乐家看来是离经叛道，却震撼了无数有革新理念的实验音乐家，使他们从此改变了自己的音乐道路。New Wave、New Romantic、Ambient、Hip—hop、Techno 甚至工业噪音等音乐都从中得到了启发，音乐家们在 Kraftwerk 音乐思想的指引下层层突破，使得今天的电子音乐极为繁盛。也许不少人还没有听过这三张唱片，但现在人们听到的流行音乐却都渗透着 Kraftwerk 的艺术理念。[/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.cosmoscan.pe.kr/music/The%20Robots.mp3]the robots （点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]95.L.A. Punk（洛杉朋克） [/color][/size]
[size=3][color=blue]        洛杉矶朋克阵营是三大朋克阵营中最后一个发展起来的（另外两个分别是纽约与伦敦），而且既没有带来音乐上更多的变化也不具备什么冒险精神。但尽管如此，洛杉矶仍被证明是持续时间最长的一个阵营；在九十年代的时候，朋克经历了先是到硬核、再到另类摇滚的变异，然后又经历了回归到流行朋克的复兴，而在洛杉矶/奥林奇郡的区域，朋克却以或这或那的形式始终活跃着。虽然有以上这些原因，洛杉朋克依旧是指那些最原始的、前硬核的朋克们，通常他们先前都曾在贫乏而简陋的朋克乐队里演出过。大部分洛杉朋克都是快速而充满鞭打的，与常爱装艺术的纽约朋克和伦敦那些虽热情洋溢却处于业余水平的毛头小子相比，它拥有一种总体上的更强硬的震动。最主要的代表是X，他那非常态的亦男亦女的声音、乡村摇滚的节奏和雄心勃勃而充满文学性的歌词，应该已经成为符合CBGB规则的最佳典范。其他对洛杉朋克作出主要贡献的还包括：Dils 愤怒的社会主义者的政见、Germs 不够纯熟的原型硬核和充斥着焦虑的诗句、以及Weirdos 和 Dickies 不落俗套的幽默。由于它天生的对侵略朋克（aggressive punk）的偏向，在80年代初Black Flag （以及后来受它们影响的SST录音室）引领的新方向下，洛杉矶成为音乐形式向硬核方向过渡的中心。 [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Black Flag  [/color][/size][/align]
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[size=3][color=blue]        Black Flag来自洛杉矶。他们的作品里夹杂着大量的重金属、实验噪音甚至爵士乐的成份，他们为Hardcore限定了自己的审美观。自70年代后期组建起，乐队就在全美各地不停息地进行巡回演出，并成为当时影响最大的美国朋克乐队。在朋克——重金属的混合成为时尚的今天，人们不会忘记早在15年前，Black Flag就创造了狂暴而又边缘化的表现形式。另外，乐队的歌词充满了政治观点和对社会阴暗面的鞭笞。更为重要的是，乐队作品带有明显的波西米亚风格，这不仅表现在音乐的实验性上，还表现在乐队对那种诗歌般境界的追求上。
在将近十年的乐队生涯中，Black Flag屡屡被成员变动所困扰，但乐队并未失去他们的精神。1977年，加州洛杉矶分校的毕业生Greg Ginn与贝司手Chuck Dukowski一拍即合，成立了Black Flag。后来又加入了Morris和鼓手Migdol，同时Ginn还开办了自己的唱片公司SST，并在SST旗下推出了首张EP唱片《Never Breakdown》，1978年，Morris与Migdol离队，组建了新的Hardcore朋克乐队Circle Jerks，而他们的空缺则由Chavo和Robo顶替。1980年，乐队发行了《Jealous Again》之后，开始了长期的巡回演出，同时，Chavo离队，取而代之的是另一位传奇人物Herry Rollins。Herry在当时只是Black Flag的乐迷，一天，他跃上舞台，与Ginn合作演唱了一曲，他出色的发挥使乐队把他留了下来，这时乐队还增加了第二吉他手Dez，他们为Black Flag带来了更重的音乐元素。
1981年，乐队推出一张被公认为成功的专辑《Damage》。Ginn以其惊人的创作力和想象力赢得了评论界的支持和肯定，《时代》杂志评价Black Flag的音乐为“哲人的朋克”。与此同时，乐队的多元化风格影响了一大批地下朋克乐队，Minutemen的爵士元素、Husker Du的民谣风格和Meat Puppets的乡村音乐痕迹都是对Black Flag多元化有克音乐的继承和发扬。
似乎想把失去的时间找回来，Black Flag于1984年重返录音室后变得十分多产。乐队又一次改变了阵容，加入了新的贝司手Kira Roessler。乐队先后推出了大碟《My War》、《Family Man》、《Live'84》，以及精选专辑《The First Four Years》。1985年，乐队又连续推出了三张力作：《Loose Nut》、《The Prosess of Weeding Out》和《In My Head》。Black Flag登上了事业的顶峰，女贝司手Kirar的演奏饱含激情，Stevens是乐队历史上最为出色的鼓手，Herry Rollinson的演唱在力量与速度上都有上佳表现，而他在演唱会上的即兴发挥更被传媒推崇为“摇滚的示范者。”和吉他手Ginn一样，Rollins乐于表现性格中感性的一面，他甚至会在演唱会上停止演唱，转而向数万观众朗读自己的诗歌作品。
85年的Black Flag得到了评价界的赞赏。《时代》杂志评论道：“Black Flag的阴凉太有魅力了，它生动、真实，而又精致复杂，令人眼花缭乱。他们并没有俱来的愤怒与凄美（这一点常常影响朋克阴凉的生业价值），但他们抓住了大量的歌迷，太难以置信了 ……”《In'My Head》带给歌迷明显的重金属成份，但绝非没有思想的重金属。《The Prosess of Weeding Out》是一张纯阴凉的爵士摇滚作品，令人想起当年的John Mclauglin和Tony Williams的名作。
正当Black Flag如日中天，Greg Ginn的兴趣越来越多地移向诗歌和经营他的SST公司上去了。1986年乐队发行现场专辑《Who's the 10 1/2》之后，Greg Ginn宣布解散。这给正在兴头上的乐队崇拜者和评论界泼了一头冷水，但发家多少又感到了慰籍，因为Herry Rollins并没有停止其朋克生涯，成立了另一支朋克/非主流劲旅Rollins Band，他将Black Flag他有的实验噪音和强烈的金属味占为已有，这也成功90年代非主流音乐兴起时的地下音乐特征。
值得一提的是，SST公司在发掘新兴地下乐队方面有重大贡献。Husker Du、Meat Puppets相继在SST旗下推出自己具有震撼力的首张专辑。而新朋克教父Sonic Youth也是由Greg Ginn慧眼识英雄地大力扶持的，八十年代未，Ginn—手捧红西雅图Grunge乐队Soundgarden和Screaming Trees。[/color][/size]
[/color][/size][URL=http://www.ecoolmusic.com/MusicUrl.asp?sid=22394&uid=54214&musicname=TV Party&singer=Black Flag]TV Party （点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]96.Latin Rock（拉丁摇滚） [/color][/size]
[size=3][color=blue]        Santana 是在60年代晚期从三藩市地下音乐界破土而出的，在那之前，拉丁摇滚还没有成为一支商业力量，但它在直接简单的 R&B 曲风中却有着很深的根基 — R&B 是一种没怎么受到拉丁音乐影响的风格，它主要包括一些棕眼睛的灵魂乐队/东洛杉矶乐队，比如 Cannibal & the Headhunters 和 Thee Midniters.由于受到芝加哥运动所强调的注重文化与传统的思潮的影响，有一些以加利福尼亚为基地的乐队便开始把西班牙语的素材与拉丁美洲的打击乐器结合起来。虽然拉丁摇滚中只有 Santana 和 War 获得了成功，但还是有别的一些乐队也做出了好的唱片，比如 Malo, Tierra, 和 El Chicano,以及来自纽约的 Ocho, Mandrill, Eddie Palmieri的Harlem River Drive，和来自秘鲁的Black Sugar. [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Santana [/color][/size][/align]
[align=center][attach]223674[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        骋驰乐坛30多年的Santana，创作源源不断外，与乐迷始终保持良好的互动，Santana非常清楚自个儿的魅力，Carlos以Jam Session起家，摇滚史上几个重要的音乐季Festival，都少不了Santana的现场莅临，最受瞩目的是1969年超过50万人次的Woodstock，以及后来在达拉斯举办该年第三大的Texas International Pop Festival，1973年Rolling Stone定期访美巡回表演，亦邀请Santana助兴，1978年在第二届California Jam贵为上宾，1982年的音乐盛事US Festival ，盛邀几个重量级的乐团参与，Santana想当然尔的在应邀之列，1985年7月为援非而在英美同步举办超大型的Live Aid， 1991年远赴巴西参加年度盛会Rock Rio II，以及91年为追悼BillGraham所举办的35万人音乐会，都少不了Santana的身影，Santana在国际乐坛所受到的瞩目，让不同国度的乐迷都引颈期盼，恭迎其盛。

80年代初，World Music与New Age业已风行全球时，Carlos Santana亦不落人后的与时并进，在《Marathon》中浅尝一下New Age，完成了Aqua Marine，在《Zebop!》中又拾回以往的拉丁雄风，American Gypsy、Primera Invasion似乎回到70年代剽悍的气势，另外改编了Cat Stevens的Changes亦风味独特，倒是唱自Russ Ballard的创作Winning市场反应不错，10年来仅见的TOP 20。 Santana重拾对市场的信心，82年《Shango》的口味又添加了Afro-Cuban，Hold On及Nowhere To Run再度挤进排行榜。久未合作的昔日征战伙伴Gregg Rolie难得回老东家共谱了三首歌曲，气份颇佳，Gregg当时虽然已经离开一手创立的Journey，但是他并没有重回Santana的打算。 1983年的Carlos的第6张个人专辑《Havana Moon》更集结了Booker T & The MG's、Willie Nelson、Fabulous Thunderbirds等多位艺人助阵，比起自己的乐团搞的还要大，Carlos对音乐的玩趣未曾衰减。 1987年Santana的专辑名为《Freedom》，那是因为Carlos又再找回过去多位旗下乐友，共同完成了这张大碟，情谊大于音乐本质，市场销售仍然不见起色。 积蓄了一段长时间的能量之后，Santana于1999年再度出击推出《Supernatural》，与其合作的不是他人，正是与Carlos签下第一纸合约的Clive Davis，后来Clive成为哥伦比亚唱片的老板，当Clive转移阵地自组J. Records之后，仍不忘老友Carlos，两人首次共同制作唱片，没想到鱼帮水、水帮鱼，三十年后Santana的事业再创前所未有的高峰，Carlos Santana这么多年来，即使是低潮，也从未离开音乐，唱了30几年，乐音不断、节奏倒是越来乐猛，视野也愈加宽阔，不论拉丁乐，或纯摇滚，表现的依然亮丽，《Shaman》的精湛演出，有目共睹。当然Carlos有此成就并非凭空得来，没有过去的用心，就不会有目前的成就，Sony Columbia如今推出Santana的音乐史辑，与歌迷共享Santana的音乐生命，我们共同期待Carlos Santana的音乐乐章可长、可久、可远。 [/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://202.38.64.71:8099/英文/Santana/Supernatural/Primavera.mp3]primavera Super Natural（点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]97.Lo-Fi（低保真） [/color][/size]
[size=3][color=blue]        在80年代初90年代末的时候，低保真已经不再只是对某张特定专辑录音质量的描述，它本身就成为了一种流派。贯穿整个摇滚史，唱片的录制往往都是在不合规格的设备上廉价而迅速地完成的。从这个意义上讲，那些最早的摇滚唱片、60年代绝大部分的车库摇滚和70年代后期许多的朋克摇滚都可以贴上低保真的标签。然而后来，低保真谈及的是搞地下独立摇滚的一类音乐人，他们用四轨的仪器在家录制其音乐素材。大部分这种音乐发源于80年代的美国地下，包括像R.E.M这样的乐队；另外还包括一批英国的原型朋克乐队和新西兰的乐队，比如the Chills 和 the Clean. 通常，这些低保真乐队会从简单的流行摇滚歌曲波动到自由形态的歌曲结构或纯粹的噪音与艺术性的实验音乐。尽管这些乐队保持了音乐的相对简单易与直接，但唱片质量低下的灌制、磁带涂层的声音失真与嘶嘶作响、以及抽象而愚钝的歌词依然使得他们的音乐声音显得不寻常而激进。最开始的时候，低保真的唱片都以自制磁带的方式进行交易，但也有一些独立的厂牌发布了正式的专辑，最著名的就是由Calvin Johnson经营的，领导了Beat Happening乐队的K Records.80年代末期，一些像Pussy Galore, Beat Happening 和 Royal Trux这样的乐队，在美国地下拥有了一小批狂热的追随者。到1992年，像Sebadoh 和 Pavement 这样的乐队已经通过他们蓄意做出的嘈杂而混乱的唱片成为在英美大受欢迎的崇拜偶像。几年之后，这种低保真美学在Liz Phair 和 Beck的帮助下以一种改进过的更加新型的式样侵占了主流市场。 [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Pavement [/color][/size][/align]
[align=center][attach]223685[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        支离破碎的歌曲，急促突然，爆发的回授，简短的歌唱，神秘，文学性的歌词，挑衅似的低保真。这些东西使PavemenT自己成为９０年代美国另类摇滚乐队中最为独特和最具影响力的一只。正是Pavement与Sebadoh一起领导了成为９０年代美国地下摇滚主要方向的Lo-Fi运动。乐队最开始只是录音室的临时演奏阵容。吉他手Stephen Malkmus与主唱Scott Kannberg，使这个临时拼凑起来的阵容演变成了后来的乐队。他们的首张专辑１９９２年的"Slanted and Enchanted"为他们吸引了同行，乐迷，和舆论的注意。没多久，乐队那独特的音乐－简洁，神秘的美国地下摇滚，对噪音的喜爱。使他们在美国和英国都引来了无数的模仿者。然而直到此时，乐队才因为一位臭名昭著的吸毒成员，前嬉皮鼓手Gary Young的加盟成为一支真正意义上的乐队。Young于１９９３年离开了乐队。当时乐队正在调整自己的方向，使音乐边的为干净直接。这次调整的结果就是１９９４年的专辑 Crooked Rain, Crooked Rain。因为其中的一首热门歌曲“Cut Your Hair"，使这张专辑成为一张畅销品。相对于主流来说，Pavement古怪奇异，最后乐队终于明白：他们注定只能做为一支地下乐队。

Stephen Malkmus 是在佛吉尼亚大学毕业后回加州开创他的音乐事业的，他与儿时的朋友Scott Kannberg一道组成了Pavement。１９８９年Pavement发行了他们的第一张EP：Slay Tracks: (1933-1969)。这张７英寸EP是在当地的一间叫做“比你认为的响”的录音室里，花了８００美圆录制而成的。录音室的主人,已４０岁的Gary Young在这张EP里，间或充当一下鼓手。唱片则在两人自己的唱片公司Treble Kicker发行。在这张唱片中，你可以听到the Fall,R.E.M,the Pixies,Sonic Youth的混合体。这张唱片虽然只发行了几百张，却成功的流传到了那些在非主流界很有影响力的重要人士手中，例如英国DJ John Peel。Pavement在唱片内页除了注明乐队成员"S.M.","Spiral Stairs"之外，就没有乐队的任何资料了。这使他们显得格外神秘。直到１９９０年，乐队发行EP:Demolition Plot J-7时，成员们真正才学会如何将所受的影响转化为自己独特的声音。这一年乐队签约Drag City公司，Gary Young也非正式的加入了乐队。１９９１年乐队发行了EP:Perfect Sound Forever。

马上他们举办了第一次演唱会。在他们准备演唱会时，贝司手 Mark Ibold成为乐队第四名成员。同时由于Gary Young经常缺席，他们又挑了一名鼓手Bob Nastanovich作为后备。乐队第一次以完整的阵容出现，并录制了专辑 "Slanted and Enchanted"。尽管乐队这些成员从未凑在一起录制过任何东西，这张１９９２年由Matador发行的专辑仍然赢得了很多好评。甚至当Matador还未开始进行促销。大肆赞扬的乐评就已开始在媒体上出现。刚开始，乐队的歌曲只是流传在乐评界和歌迷中，但很快，大街小巷就都开始谈论他们了。顺应时势，Pavement也踏上了全国巡演的路途。虽然这次巡演并未到达很多城市，乐队还是因为他们貌似草率的音乐和Gary Young哗众取宠的表演而倍受瞩目（他在入口处向听众致意并分发沙拉，在台上演出时倒立，有时则喝的酩酊大醉。）。终于Young在１９９３年被要求离开乐队。他对乐队最后的贡献则是１９９２年秋季发行的EP"Watery Domestic"。他的位置由Steve West取代。West是Nastanovich的朋友。West加入后不久，乐队早年间的录音由Drag City&127;&127;收集在一起，以Westing (By Musket and Sextant)的名字发行。

Young离开乐队后，乐队的音乐似乎被"净化"了。也许是因为有了一位坚定的鼓手并在真正的录音室里录音的关系。乐队的改变可以在 Crooked Rain, Crooked Rain里听出来。１９９４年的这张专辑几乎使Pavement跨入了主流乐队的行列。从某种意义上说，乐队已经做到了这一点。专辑打入了排行榜第１２１名，单曲"Cut You Hair"进入了“现代摇滚榜”与MTV的热门十大单曲。即使得到了如许好评，评论仍然没办法把Pavement当做摇滚明星而非地下乐队看待。这一年 Stephen Malkmus 与Scott Kannberg除了一手炮制出这张“热买”专辑外，还参与了Silver Jews第二张专辑“Starlight Walker”的录制工作。（Silver Jews的首脑David Berman是他俩校园时代的朋友。）

到了第三张专辑，乐队似乎又走回了粗糙，不加修饰的老路。１９９５年的这张"Wowee Zowee"比乐队以前的作品具有更多折衷主义成分，也显得更加不可接受，还沉迷在 Slanted & Enchanted 与Crooked Rain, Crooked Rain 中的乐迷与媒体纷纷批评这张专辑。其实也难怪如此，乐队居然将这次的录音地点选在监狱里。就是在这种气氛中，乐队度过了接下来的两年。然而在第五届Lollapalooza音乐节上，乐队却受到很大欢迎。１９９６年，他们在发行了一张EP：Pacific Trim之后，将剩余的时间都花在了录制第四张专辑上（由Mitch Easter监制）。1997年二月，乐队发行了Brighten the Corners，这又是一张倍受好评的作品，并登上了排行榜第７０位。

Pavement并非唯一的Lo-Fi乐队，却肯定是独一无二的Lo-Fi乐队。乐队成军十年，虽然只发行了４张专辑，但可以说张张经典。毫无疑问，今天的Pavement，已跨入了R.E.M,Husker DU等经典乐队级别的行列。 [/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.captainsdead.net/records/pavement reading/4%20Black%20Out.mp3]black out reading （点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]98.Madchester（曼切斯特音乐） [/color][/size]
[size=3][color=blue]        曼彻斯特音乐是80年代末90年代初英伦摇滚的统治力量。作为酸性家族中舞蹈节奏与旋律流行的融合体，曼彻斯特音乐的特色可以概括为平稳轻松的鼓点、迷幻的修饰乐句和上口的主调重复。它是以下几者后现代主义式的拼贴：熟悉的歌曲结构、时髦的编曲和态度、以及后流行的风格特色（也就是吵嚷的吉他、纷乱的风琴、加上敏锐的流行触觉）。正如Stone Roses 和 Happy Mondays这两支乐队所显现的，这种拼贴可以有两种方法。Roses是一支传统的吉他流行乐队，他们的歌曲虽有松垂的鼓点支撑着，却是正统的流行曲调，可以说是被现代化了的60年代的流行乐。Happy Mondays则像说唱歌手取样似的对音乐进行剪切和拼贴，他们的主调来源于Beatles 和 LaBelle ，然后将它们放到了阴暗迷幻的舞曲似的上下文中。尽管他们的方法不同，这两支乐队都热爱着酸性家族的音乐和文化，以及他们的家乡——英格兰的曼彻斯特。随着乐队的声望不断提高，在Happy Mondays一支著名的单曲之后，英国的民众开始把这两支乐队，以及和他们观念相似的一些乐队，如Charlatans [U.K.] 和 Inspiral Carpets，称为“曼彻斯特音乐”。（有时也被称为布袋音乐，因为他们总是穿着布袋般松垮的衣服。）曼彻斯特音乐曾经盛极一时，而其最后的衰退很大程度上是由于Roses 和 Mondays分别的沦为了懒惰与滥用毒品的受害者。除了在另类音乐圈内，这种流派没有在美国的造成太大影响，而曼彻斯特的后继者们—比如像Oasis, Pulp, 和 Blur这样严重被当代与古典流行之间冲突所影响的乐队—则在90年代中期成为了国际明星。  [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]James [/color][/size][/align]
[align=center][attach]223699[/attach][/align]
[size=3][color=blue]        感觉中一直喜欢把James和Smiths以及老摩的东西放在一起听，大概是因为他们的名字比较相像吧。当然原因还不只这个，James的音乐旅途开始于83年，而在当时他们最重要的一位支持者便是Smiths里的老摩，早年的James，
一直背负着"Post-Smith"的称号，但实际上Smiths也曾翻唱过他们的一首"What's The World"。其实，早时的James决没有Smiths那般如意，乐队初出道时原装 吉它手被判入狱，主唱Tim Booth曾身患肝病并染上毒瘾，成员要卖掉汽车以维
持生计，经理人毅然离去，遭唱片公司雪藏┅┅经历过重重波折的失意日子后， 在九十年代初James突然摇身一变成为策动Madchester热潮的超级巨星，接着他们意图走向成熟的Stadium Rock而未获成功，但是后来通过与Brian Eno的合
作而走进"知性派"的行列，沉寂数年后，James转向Drum 'n' Bass、BritHop、Industrial--Disco等跳舞音乐取材，毅然投向折衷主义的道路┅┅如今， 说起这些历史已不知不觉地带上"想当年"的囗吻。 "你小子别蒙人了！"我的那帮朋友一定会这么嚷嚷。特别是大立和老粉，两年前的一个晚上我们还站在华工图书馆的门前聊到夜深，而带着我们走进话题的， 正是James。"Ring / Ring The Bell / In The Town / ┅┅"我们还一起合唱 了他们的"Ring The Bell"。那时我还没欢庆我的二十岁生日，怎么现在竟然用
上比我那两位年长的朋友还要古董的语气在缅怀James呢？再说，James也还没解散呀。没错，James是没解散，但他们已经过时了。真的，James对大部分乐迷来说-- 不管是新一代的还是旧一代的，已经是支过气乐队了。就连我这个"James死硬派乐迷"，
也逐渐对他们淡忘了，过去每天必听的<Laid>，现在在家里的播放率已下降到每月一 次了。James是支流行乐队，不管他们的音乐是带着实验气味，或是他们的文笔是如 此的知性，"伟大的流行乐队"，这是他们自出道就定下的目标。当一支流行乐队跟不
上潮流的时候，他们便过时了。但流行乐队带给我们的，就一定只是流行音乐吗？想 起了SARAH，一家来自Bristol，以制作"完全和高质素的流行曲"为目标的小音乐厂牌。 这也是一家极有个性的厂牌，他提出反对废除黑胶唱片、反对制作B-Side歌曲等口号，
并许下不少诺言∶如只制作清新的流行吉它音乐、每张唱片封套上都会以Bristol市 风景为背景等等。而他的许多做法，无疑是与当时流行音乐潮流的方向背道而驰 。这是种以卵击石的做法，但他仍一一完成了许下的全部诺言，包括最后也是最
令人心痛的一个诺言∶在出版第一百张唱片SARAH 100后，结束了SARAH的生命。 今天SARAH已是清新吉它音乐乐迷心目中的圣殿，昔日旗下的The Field Mice、 Heavenly┅┅也成为清新流行乐中的经典。
James也许没有表露出SARAH那种非凡的勇气与个性，但他们仍具有毫不轻易妥协 的音乐态度。重温他们的每一张唱片，感觉到是这班朋友在每个阶段留下的印记，是勇 敢，是进取的见证。没错，作为流行乐队的James已经从我的心目中消失，现在留在我身
边的，是如同知心朋友般的James。其实，一支乐队面对音乐与生活的态度，是与他们 所玩的音乐类型没多大关系的。我不管当年Sex Pistols有如何尖锐的态度，至少，听 着他们重组之后的新唱片，我所能想到的最恰当评价是∶"Fuck Off！"
也许，是我们给音乐赋于了过多的意义，试图以音乐去解开过多的人生之谜。音乐不 仅是一种态度，音乐也不仅是一种生活，音乐只是音乐。 "Every Answer Found Takes Another Question The Further You Go The Less You Know ┅┅The Less I Know"

--James "Five-O"

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[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://music.alienhome.cn/the_shining.mp3]The Shining James  （点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]99.Merseybeat（默西之声） [/color][/size]
[size=3][color=blue]        默西之声是英式入侵的音乐源头，它强劲而有旋律性，是美国的摇滚与R&B,以及英国的噪音爵士的混合体。披头士早期的唱片，如"Please Please Me" 和 "Love Me Do" ，就是这种流派的原型。不久之后，其它一些利物浦的乐队，如Gerry & the Pacemakers, Billy J. Kramer, 和 the Searchers也追随了此种风格。它之所以被称为“默西之声”是因为利物浦那条叫默西的河，此种风格在整个1963年和1964年的前半年极其风靡。但没过多久，一些R&B导向的乐队，如the Rolling Stones, the Kinks, 和 the Yardbirds出现了，同时出现的还有一些流行团体，如the Hollies 和 Freddie & the Dreamers。虽然这些团体都受到了默西之声的影响，但是这种风格本身却渐渐失去了根基，而披头士乐队也将他们的风格形式扩展到了更广的范围。 [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]the Beatles [/color][/size][/align]
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[size=3][color=blue]        The Beatles的确是一支颇具传奇性的乐队，这支成立于1959年的利物浦乐队可谓家喻户晚，乐队由四人组成，开创了许多新的音乐风格，启发了不少新的思维和概念，丰富了流行音乐的形式与内涵。到1969年，The Beatles因为内部产生分歧而宣布解散，共创作发行了数十首佳作和20多张经典唱片，这些作品大致可分为四个代表时期：一是初期，以专辑《Meet The Beatles》为代表；二是1965年的《Rubber Soul》代表他们严肃的实验期；三是代表神秘及迷幻期的《Sgt Peeper’s Lonely Hearts Club Band》；四是由《The White Album》(1968年)所揭示的百家齐放的成熟期以及后来的一张《白色专辑》和《The Beatles Anthology》。


六十年代的流行音乐与当时的社会一样，一切都刚刚开始．The Beatles的出现，带给青年人全新的音乐，到处都充满着活力，他们的音乐急速变化，迅速成长，在短短几年中征服了整个世界，人们称赞他们为“乐神”、为他们疯狂，哪有几个现代流行音乐人不曾受过 The Beatles的浸润?如果说美国的年轻人用摇滚乐去摆脱那种彷惶、迷惘以及空虚感，那么英国的年轻人则是用摇滚乐去冲破维多利亚时代所遗留至今的种种陈旧道德规范和传统的价值观念。他们最大的共同点是，在物质高度充足的享受中不甘汛灭自已的进取精神，在激烈的摇滚风暴中以反叛的形象来表达他们对传统理性的否定和想建立一个更加充满自由和人性的未来，The Beatles的出现是第一次以摇滚乐的名义成为这个时代最有象征意义的精神偶像，当时的乐坛也受到了巨大的冲击，The Beatles那一大批主题深刻、内容广泛的音乐能在精神上体现出摇滚乐的真正实质，在世界摇滚史上，他们及其灵魂人物 JOHN LENNON被公认为是真正的摇滚乐“教父”。


The Beatle那种“把明天遥远地抛在脑后．愿你多欢乐”的无忧无虑的情调，一扫当时充斥在英国舞台上的陈腐、伤感、古板和陈旧的气氛，从而几乎使英国年轻的一代狂热不已，The Beatles的倔起意味着美国流行音乐在英国的统治地位宣告结束。 [/color][/size]
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[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.beatles.cn/forum/uploadimages/20050519194923.mp3]Yesterday（点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]100.Neo-Glam[/color][/size]
[size=3][color=blue]        （Neo-Glam）个词不是用来形容80年代的微金属乐队的，它更多的是英伦流行的一个分支，正如英伦流行运动本身一样，它也是由 Suede 引领的。Suede 的这种新魔幻风格的确立效仿自使劲跺着脚的摇滚，和魔幻时期的 David Bowie 的广泛流行的歌曲，并将这二者与 Morrissey 内省式的浪漫主义结合起来。而这种拼贴的结果，很自然的，就是严重的不阴不阳。而追随 Suede 的英伦流行乐队也是典型的受到了英式风格的影响；但是也有一小部分特别的骨干分子专注于复兴70年代魔幻流行的遗留物，这样的乐队包括：the Auteurs, Nancy Boy, Placebo, 和 Spacehog.这种新魔幻的现象绝大部分是局限在英国内部，尽管 Spacehog 在美国观众中达成了一点小小的突破（并不是巧合，Spacehog是那些乐队中最不会不阴不阳的一个）。  [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]the London Suede [/color][/size][/align]
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[size=3][color=blue]        Anderson、Osman 生长于距离伦敦四十哩外的 Haywards Heath，早在1989年时这两位多年好友就曾组过乐团。后来他们透过在「NME」杂志上刊登广告的方式，找到前来应征的吉他手 Bernard Butler。三个人先组成了一支没有 鼓手，而依靠机器设定来填补鼓点的乐团。又过了一段日子，他们结识了曾经在伦敦 ULU兜售小型演唱表演票卷的鼓手 Gilbert，在相谈甚欢的情况下，三人决定邀Gilbert加入阵容。最后入团的是第二吉他手 Justine Frischmann，乐团至此，终于正式成立，属于该团的故事也才开始。

Suede 在成军之初，当时的报章杂志、同乡同胞、经纪人、唱片公司都对他们没什么好印象。他们觉得 Suede 的表演乏善可陈，毫无魅力可言，风格走向也极端的无聊。他们的公开演出，票房更是惨不忍睹，并非他们的表演欠缺水准，而是观众的反应并不捧场。他们的音乐不被了解，即使是在发了一张风格奇特的单曲「Be My God / Art」之后，也只是引起短暂的好感罢了，也许这就是他们不受注意的理由。   1992年起，全球流行乐界掀起了另一股风潮（此时第二吉他手 Justin 已离团）。Suede的现场表演忽然引起广泛的回响，就在他们于 Nude 唱片公司的首张专辑「The Drowners」发行的前一个月（五月），他们登上了「Melody Maker」杂志的封面，并被该杂志评为「大不列颠最棒的新进团体」。纵然这样子的情势逆转充满了神奇色彩，Suede 瞬间成为家喻户晓的乐团却是不争的事实。报章媒体纷纷报导他们是「最大胆、神秘、诡谲、性感、热闹、狂妄、流行的乐团；你会发现自己被他们的魅力所蛊惑，完完全全地爱上他们，无可自拔。」在乐团参加了英国最受欢迎的流行音乐电视节目「Top Of The Pops」之后，主唱Brett卓越精致的创作功力和唱功，立刻引来众家乐评的一片叫好声，并为该节目创下收视高锋。支持 Suede 的乐迷不断地增加，当他们回到家乡伦敦再次举办演唱会的时候，Brett 的衬衫被极度疯狂的歌迷撕裂三次。这般受欢迎的场面和昔日比较起来，确实有天壤之别。

1993年3月 Suede 发行同名专辑「Suede」，乐团开始声名大噪，被褒奖为「自从『性手枪 (The Sex Pistols)』的 「Never Mind The Bolloks」专辑之后，最令人延颈企盼的专辑。」这张专辑果然不负众望，各界好评蜂拥而来。专辑唱片销售量更是一举抢攻下冠军宝座，远远超过第二顺位的对手 Depeche Mode合唱团足足有4倍之多。也因此该张专辑成为自从 1984年 Frankie Goes To Hollywood 合唱团的「Welcome To The Pleasure Dome」专辑以来，销售速度最快的专辑：专辑发行后第二天即成为金唱片。随后在该年，最令人兴奋的事，莫过于赢得 1993 的 Mercury 音乐奖了。

之后到年底之前，Suede均忙于巡回欧洲、美国还有日本的演唱会行程、在 Glastonbury 的音乐节担任首席嘉宾，以及在英国境内一连串门票皆被销售一空的演唱会。1994年2月14日情人节当天，他们发行了单曲唱片「Stay Together」，创作意念完整，共分四节，全长8分钟，是张内容多变绚烂的经典唱片，不禁让人质疑，他们的下一张作品和这张唱片相较之下，是否会相形失色。这首单曲轻易地受到「NME」杂志及「Melody Maker」杂志的青睐，获选为当周最佳单曲；「NME」杂志认为这首单曲「充满强烈的企图心、多变的风格及令人难以抗拒的魅力，这些都让其它的歌曲受到的注意彷佛昙花一现般地短暂。就像所有的伟大事物一样，美得让人屏息。」「Stay Together」登上排行榜第三名，也使 Suede正式迈向新的里程碑。

两个月后，Suede回到 Master Rock 录音室，与制作人 Ed Buller 合作，开始灌录他们的第二张专辑「Dog Man Star犬人星」；这张专辑被誉为十年来最优的专辑之一。这张旷世巨作，不仅完全打破既有的创作模式，它也持续地感动了众人的心灵。

在「Dog Man Star」这张专辑完成的同时，Suede正式和吉他手 Butler分道扬镳，他们吸收了另一位年仅17岁的吉他手 Richard Oakes --来自英格兰南方「多塞特郡」(Dreset)的 Poole地区。和报导 Butler的离团一样，音乐杂志也纷纷告知 Suede有新人加入的消息。之后 Suede在欧洲、美国、日本展开了一连串的演唱会，和新任吉他手 Richard 的配合默契十分良好。

96年出炉的专辑名称是「Coming Up呼之欲出」，这张由十首歌曲组成的专辑是 Suede 成军以来最棒的专辑。第一首单曲「Trash」全长四分钟，可说是流行乐的经典之作；他们百分之百的浪漫，批判狂热度也是绝无仅有的。Suede 从没有像现今这般受欢迎，这么名气响亮，表现得如此优秀，受到如此为数众多的推崇。或许他们的音乐有点奇怪，然而不可否认地，他们受到大家的爱戴。

Suede的「Coming Up」专辑的录制时间，从1995年12月，一直到1996年5月才结束。专辑由 Ed Buller 制作，录制地点分布于伦敦周围的数间录音室，最后的混音工程则在Dave Bascombe手中，于 Whitfield Street录音间完成。在发行了「Suede」及「Dog Man Star」两张水准之上的专辑后，Suede 能获得如此高的评价，并不难想象（「Guardian 」杂志曾经评选出有史以来100张最佳专辑，其中90年代只有4张专辑入榜，「Dog Man Star 」就是其中之一），而他们在「Coming Up」专辑中的杰出表现也是倍受赞扬，在全英专辑榜雄踞亚军席次。Richard Oakes如今已是一名杰出的艺人，而 Brett Anderson 的才华，无人可及。这张产生了五首全英Top 10歌曲的专辑「Coming Up」已臻完美之境，它成为流行乐界试图超越的新标竿。

1997年入秋之际，Suede为等待他们新作品许久的歌迷们先行暖身发行了一套两张的CD，这套名为「Sci-Fi Lullabies」（科幻摇篮曲－B-SIDE作品精选）的专辑，顾名思义是汇整了过去五年来，Suede所出版过的13张单曲中的B-Side歌曲（不包括现场演唱版本）。其中汇集了亦是Suede mania心目中经典抒情曲之一的「My Insatiable One」...27首所有Suede mania均耳熟能详的乐章，每一首作品都是出自Suede团员手笔的完美佳构，绝对没有滥竽充数的粗劣作品。

经过一年半的养精蓄锐，Suede自1998年中开始为新专辑「Head Music头号酷乐」进行录制工作。在这张该团的第四张完整长度专辑里，Suede开展出与之前不同的合作关系，他们这次不再和一向的共同制作Ed Buller共事，转而与Perfecto的核心主脑、早期Happy Mondays经典作品的大功臣Steve Osborne合作。主唱Brett Anderson表示，在「Coming Up」专辑之后，他想要做一张感情成份比较不那么重的专辑，就某种角度来说，也就是比较诚实而直接的作品，因为有时候感情用事会使得事实的某些部份被掩盖掉。不过不要误以为这是一张晦涩难懂的专辑，「Head Music」里的音乐会火热地烧入你的脑际；当然，比起「Coming Up」专辑来，本张专辑显得较为冷静，但它呈现出更具渴求感、更为忿忿不平的感觉，它呈现出1999年的现代摇滚乐团所该有的声音：一种炽热燃烧、绝对不会在地球上的另一处角落、另一个时间所制造出来的声音?   贝斯手Mat Osman曾说过Suede的成员是在「Coming Up」专辑录制完成后，才真正地成为一个团体。照这样的说法，「Head Music」专辑就可说是Suede以新阵容重新出发后的首张佳作，是一张乐团至今最难以归类的专辑，但也可能是进入千禧年前你能听到的最具现代感的专辑。这张专辑首周进榜即获全英季军，足见它也获得了大众的认同。 「这就像现代艺术，」Brett如此说道。「一幅很棒的现代艺术作品通常都是出自由极少笔划即勾勒出整幅作品的画家之手。这就是我想要做到的。用最不矫饰的低调手法表达我的感受。」

虽然「Head Music」成为一张冠军专辑而缔造Suede的另一生涯高峰，但接踵而至的种种事件却让Suede的未来显得是那么地不确定，阵中深受乐迷喜爱的键盘手Neil Codling毅然离团，乐团与专属会计师对簿公堂，对已灌录好的整张专辑感到厌恶而舍弃重头来过…；最终Suede仍旧历时一年闭关完成2002年的最新作品「A New Morning清新早晨」。灵魂人物Brett Anderson表示专辑之所以命名为「A New Morning」，亦象征着此作正是乐团的另一个全新开始。

除了乐团编制经过小幅更动而网罗前Britpop乐团Strangelove成员Alex Lee入替Neil Codling之外，更重要的是「A New Morning」在Stephen Street(Blur、The Smiths)这位Britpop全盛时期金牌监制主力制作下，不仅贝斯手Mat形容此作是更为温暖与简单(专辑曾一度命名为「Instant Sunshine」)，同时也已让人预料到「A New Morning」会重拾Suede昔日吉他流行曲基本步而舍弃Head Music的电气化实验风格。

之所以把SUEDE放在第一个介绍，是因为CLERIC认为他们是最最符合"唯美"这个条件的BAND了，呵呵。SUEDE来自英国伦敦，1991年成立，原来就叫SUEDE这个名字，后来因为署名权的缘故曾经一度改名为THE LONDON SUEDE，最后不知怎么的又叫SUEDE了。SUEDE，就是山羊皮的意思啊……汗，这个名字好像不太唯美的说，但是在欧美，乐团的名字很多都是怪怪的，什么"DOG""BUFFALO"的都有，所以我们就不深究了……汗。 [/color][/size]
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[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://www.wetstation.net/blog/music/thepower.mp3]the power （点击下载）[/URL]

[size=5][color=red]101.Neo-Prog（Neo-Prog） [/color][/size]
[size=3][color=blue]        新前卫是前卫摇滚的一个分支流派，产生于80年代初由一帮英国为主的乐队所倡导的运动，他们强调一种不论是在乐器使用上还是在词曲创作上都比***潮更为深入的音乐。这种风格中首当其冲的便是Marillion，他们最开始是作冗长的俱乐部巡演，但不几年便脱颖而出成为畅销榜的榜首，并几乎以同样快的速度抛弃了流行口味。新前卫乐队大多受到了早期的 Genesis 和 Camel 的影响，并小部分地受到了 Van der Graf Generator 和 Pink Floyd 的影响。这种音乐比普通的摇滚乐有着更华丽的声音，但是缺乏真正调和的前卫乐队（如Yes or amel）的那种完善性。从技术上来说，这些乐队的特色是趋向于使用一种即兴的方法表演，注重于大量的不断变化的solo；在最出色的状态下，新前卫音乐的歌词是深入、尖刻而富于洞察力的。到底新前卫是平淡无力的前卫音乐还是富于冒险性的流行音乐取决于听者——大部分听前卫摇滚的人都可能觉得这种风格无趣且缺乏挑战性，而 AOR 的歌迷们则会觉得这样的混合比大部分摇滚乐队有趣多了。虽然此种风格的主要乐队都仍然在发行他们的专辑，但是实质上，在1987年 Marillion 的主唱 Fish 离开乐队的时候，新前卫的经典时期就已经结束了。 [/color][/size]

[size=4][color=Green]具有该风格的乐队/艺人名单： [/color][/size]

[align=center][size=5][color=Purple]Dream Theatre [/color][/size][/align]
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[size=3][color=blue]        Dream Theater，堪称是90年代以来最重要也最具代表性与影响力的前卫金属乐团，其92年所发表的专辑《Images and Words》，为当时的金属乐开创出新的表现形式，专辑中高层次的技术展现，使得团员纷纷成为各方注目的焦点，也使得这张专辑顺理成章地成为前卫金属史上的经典代表作，也是所有前卫金属乐迷奉为「圣经」的必备专辑。

Dream Theater成立於80年代中期，最初的团名为Majesty，由三位出自美国波士顿著名的Berklee音乐学院的吉他手John Petrucci、鼓手Mike Portnoy、bass手John Myung，再加上keyboard手Kevin Moore所组成。1986年3月，主唱Chris Collins加入DT，并录制了一张demo。然而由於Chris的嗓音无法胜任DT的要求，不久离开了DT。87年新任主唱Charlie Dominici加入，团名也正式更换为Dream Theater，同年11月发行了具有历史意义的第一张专辑《When Dream And Day Unite》。专辑具有极佳的音乐性和技巧性，并已展露出DT特有的编曲特色，然而这张专辑却是叫好不叫座，惨淡的销售成绩使乐团面临多方面的问题。由於主唱的音色和演唱实力仍然无法与DT的音乐相契合，於是被要求离去。

91年新任主唱James Labrie加入乐团，其出色的音色和厚实的嗓音与DT成为完美的搭配，至此DT可算是有了最完整的阵容。果然，在92年的专辑《Images and Words》推出后获到相当大的回响，不仅将乐团的声望带上高峰，也正式宣告前卫金属时代的来临！

在这张专辑中，所确立的复杂编曲样式、吉他键盘对弹，以及丰富多变的节奏，无一不成为日后大多数新生代乐团所仿效的对象。Petrucci快速流畅的吉他技巧令人赞叹，keyboard手Kevin Moore深厚的弹奏实力，在专辑中如《Take the time》、《Under a glass moon》等歌曲里，都展示了与吉他对拍竞飙的绝佳风范，而在《Another day》、《Surrounded》曲中却也有著极其柔美而令人动容的抒情手腕。鼓手Mike Portnoy灵活且复杂多变的鼓点，总是带给听者无比的惊奇感(光看他的鼓具就觉得很不可思议)。而bass手John Myung则同样身手不凡，除了与鼓紧密搭配，也能和吉他键盘做对弹。当然主唱James Labrie的演唱功力与乐团的搭配也只能用「完美」来形容了！

94年第三张专辑《Awake》的推出，可说更确立了Dream Theater在前卫金属乐界王者的地位。此张专辑延续前一张《Images and Words》的技术导向，并更上一层楼。不仅编曲极为复杂，在篇幅上亦增长不少，其中还包含了近三十分钟的三乐章式串连组曲，堪称是一部绝作！一般第一次接触到这张专辑的人，或许会觉得乐曲过分冗长且艰深难懂，然而对於所有前卫金属的乐迷来说，这张专辑无疑是一部极品中的极品，值得细细去品味。在我听了这么多的前卫金属专辑后，回过头来再听这张专辑时，依然还是再次地被感动。在我心目中，大概很难再找到一张作品能超越《Awake》的技术表现及其成就了！

不过，令人遗憾的是，在94年8月，keyboard手Kevin Moore由于音乐方向上的分歧而离开DT(后来跑去Fate Warning，并参与专辑《A Pleasant Shade Of Gray》，目前已自组乐团Chroma Key)，此一空缺在几经波折后，确定由新任的keyboard手Derek Sherinian入替，让人不禁为DT未来的发展感到忧心。

95年所发表的EP《A Change of Seasons》，除了第一首《A Change Of Seasons》为创作曲外，其他四首则是收录自一次在英国伦敦Ronnie Scott's Jazz Club的现场演出。其中有三曲分别为翻唱自Elton John、Deep Purple及Led Zeppelin的作品，而第五首《The Big Medley#10:34》更是取自Pink Floyd、Kansas、Queen、Journey、Dixie Dregs、Genesis六首歌所混合而成的组曲，藉由这几首翻唱的曲子，算是表达了DT对这些陪伴他们成长的老前辈们的敬意。 长达23分钟的同名曲《A Change of Seasons》，是由七个段落所组成的叙述长篇曲，戏剧性的编曲、丰富的情感，加上畅快的旋律实在令人荡气回肠！这种深沉的感觉似乎是在DT过去的作品中所不曾听到的，这也预示着DT的成熟期的即将来临！

沈寂了两年的Dream Theater，在全球前卫乐迷的引颈盼望下，终於在97年10月推出了第五张的正式专辑《Falling Into Infinity》。然而这张专辑的推出却得到了极端两极化的评价。相较於之前的作品，此张专辑的风格改变相当地大，不再完全只侧重於乐器编曲与技巧的高复杂度，反而更加重了整体气氛的营造与旋律的优美感，同时音色上则变得较为沉重。在keyboard方面，新任的Derek Sherinian表现十分称职，不同於以往keyboard与吉他并重的突出表现，在此张专辑中不强调keyboard的solo，而是在音色的润饰与气氛的营造上下了相当多的功夫。不过，DT过去的一些表现手法和精神依旧是继续存在的，如专辑中的《Just Let Me Breathe》，正是延续过去专辑的复杂特色，快速流畅的吉他弹奏，厚重的bass与大量变拍的鼓点，keyboard亦展现了与吉他对飙的能力，整体的表现仍维持在《Awake》时期的水准。而《Hell's Kitchen》与《Lines In The Sand》两首共16分钟的乐曲及末尾13分钟的《Trial Of Tears》则再次展现DT在长篇幅编曲上的功力。演奏曲《Hell's Kitchen》不但相当优美且气势磅礴，《Lines In The Sand》兼具了重量感与优美旋律，而《Trial Of Tears》全曲由三个段落所组成，并一气呵成，这首乐曲指明了Dream Theater试图前行的新方向。

然而，并不是所有的乐迷都能接受DT这样的改变，有人认为这张专辑已经变了味道，不再是过去所熟悉的Dream Theater了。特别是keyboard手Derek Sherinian个人对於键盘音色的偏好，也使DT的新作显得十分沈重；另一方面，有人则乐于看见DT有这样的改变。因为一个乐团不能永远一陈不变，否则终会陷入窠臼。而对我来说，虽然我也喜欢这张专辑，不过我还是很怀念过去的DT。听惯了《Images and Words》的人可能得花点时间才能适应这张专辑了！(或许无法适应？)

在FII专辑发行后，吉他手John Petrucci和鼓手Mike Portnoy乘著空档的时间，邀来了King Crimson的bass手Tony Levin，与Dixie Dregs的keyboard手Jordan Rudess合组了一个project乐团Liquid Tension Experiment，并在98年发表了同名的演奏专辑。这张专辑的推出立刻受到了极广大的好评！专辑中展现了在DT过去的作品中所鲜少听到的活泼作风与丰沛情感，四位音乐大师尽性地挥洒与相互激荡，没有太多刻意的雕琢，一切都是那样地自然而令人动容！

另一方面，Bass手John Myung与keyboard手Derek Sherinian也没有闲著，亦组了project乐团Platypus，并出版了专辑《When Pus Comes To Shove》。

在LTE这张专辑成功的合作经验后，DT的成员也深刻认识到到Jordan Rudess的作曲编曲能力对他们的影响；另一方面，在DT的成员之中，显然keyboard手Derek的作风与DT的风格不太符合，实力也是最弱的一环，於是Jordan Rudess也正式取代Derek Sherinian成为新任的keyboard手，DT也希望Jordan Rudess的加入能让他们走向新的里程！

99年，DT的团员可说动作频频，project乐团Liquid Tension Experiment继续推出了第二张的专辑，此外，主唱James LaBrie也以project乐团的形式发表了个人专辑《Mullmuzzler/Keep It To Yourself》，这两张专辑都属必备级！

不过，真正的高潮好戏在99年末才上演！Dream Theater的第6张录音室作品《Metropolis Part 2: Scenes From A Memory》在10月底正式推出，这张专辑的发表再次引起前卫金属界的极大震撼！原本认为《Awake》这张作品已是最高境界的极致之作，想不到新生的DT再次超越了自我！在历经了LTE两张专辑的洗礼后，Dream Theater以这张长达70多分钟的长篇概念式专辑做为世纪末迎接千禧的最佳献礼，果然不愧为前卫金属之王！再次由衷地赞叹！伟哉！梦剧院！ [/color][/size]
[size=5][color=Red]推荐歌曲：[/color][/size][URL=http://wms1.bn.163.com/sports/06/worldcup/nf/lixijie/another%20day.wma]another day （点击下载）[/URL]